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Dec 03, 2023

Die Grammys

Foto: Ron Galella/Ron Galella Collection über Getty Images Liste A&E/Lifetime's

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Der neueste Dokumentarfilm von A&E/Lifetime, „TLC Forever“, zeigt nie zuvor gesehenes Filmmaterial und unerzählte Geschichten über das ikonische Erbe der Gruppe, von ihren Schwierigkeiten bis zu ihren Triumphen.

Als sich Tionne „T-Boz“ Watkins, Lisa „Left-Eye“ Lopes und Rozanda „Chilli“ Thomas als TLC zusammenschlossen, veränderte sich die Landschaft der Girlgroups für immer.

Während ihres aufregenden Laufs brach TLC Rekorde, setzte neue Stiltrends und beleuchtete wichtige Themen wie HIV/AIDS und das Körperbild. Ihr einzigartiger Sound und ihre Risikobereitschaft trugen dazu bei, ihren Status als eine der meistverkauften Frauengruppen aller Zeiten zu festigen. Und jetzt wird ihr Vermächtnis im Film verewigt.

TLC Forever, ein neuer Dokumentarfilm, der am 3. Juni auf A&E/Lifetime Premiere feiert, taucht in die drastischen Höhen und Tiefen der 30-jährigen Karriere des Trios ein. Neben ihren vielen unglaublichen Erfolgen gab es auch viele Kämpfe, darunter Insolvenzen, Schlagzeilen machende Schlägereien und Tragödien. Wie Watkins bei den GRAMMYs 1996 scherzhaft erklärte: „TLC wird dieses Geschäft in vielerlei Hinsicht in Erinnerung behalten.“

Der fast 120-minütige Film folgt dem legendären Musiktrio von seiner ersten Begegnung bis zu Lopes' frühem Tod im Jahr 2002 und begleitet Watkins und Thomas bei ihren Vorbereitungen für einen Auftritt beim Glastonbury Festival 2022. Für die Fans wird es etwas ganz Besonderes sein, da der Dokumentarfilm sieht, wie Watkins und Thomas sich die seltenen Aufnahmen mit dem langjährigen Manager Bill Diggins in Echtzeit ansehen.

Egal, ob Sie mit der Geschichte von TLC vertraut sind oder mehr erfahren möchten: „TLC Forever“ ist einen Blick wert. Werfen Sie im Folgenden einen Blick auf fünf wichtige Erkenntnisse aus der Dokumentation.

Im Frühjahr 1994 – nur fünf Monate bevor der TLC-Bestseller „CrazySexyCool“ erschien – sinnte Lopes auf Rache an ihrem damaligen Freund, dem ehemaligen Wide Receiver der Atlanta Falcons, Andre Rison. Nachdem sie ihn angeblich beim Schummeln erwischt hatte, zündete Lopes ein Paar seiner Turnschuhe in einer Badewanne in seinem zweistöckigen Herrenhaus an, was sich anschließend auf den Rest des Hauses ausbreitete.

Die damals 23-jährige Rapperin wurde wegen Brandstiftung angeklagt, mit einer fünfjährigen Bewährungsstrafe und einer Geldstrafe von 10.000 US-Dollar belegt und konnte ihren durch den Vorfall entstandenen Ruf als „Verrückte“ nie ganz loswerden. TLC Forever deckt jedoch Details auf, die ihren Handlungen mehr Kontext verleihen.

In der Dokumentation beschreibt Thomas die Beziehung zwischen Lopes und Rison als „giftig“, bevor er hinzufügt, dass „es immer etwas los war“. Monate nachdem sie sich kennengelernt hatten, gerieten Lopes und Rison auf einem Lebensmittelparkplatz in einen heftigen Streit, bei dem Rison sie angeblich angriff und einen Warnschuss abfeuerte, um Umstehende davon abzuhalten, sich einzumischen.

„Sie tat mir so leid, denn als ich das Zimmer betrat, erinnere ich mich nur an ihren Gesichtsausdruck“, sagt Watkins im Film und bezieht sich auf den Hausbrand. „Ihre Nägel waren abgebrochen, sie war zerkratzt, hatte blaue Flecken und blutete, und die ganze Welt schaute sie an und fragte: ‚Was hast du getan?‘ Und alle reagierten nicht so, wie sie hätten antworten sollen.

Wie viele Fans wissen, hatte Lopes gegen die Lead-Single „Creep“ von CrazySexyCool protestiert, weil deren Texte Untreue propagierten (insbesondere angesichts der anhaltenden AIDS-Epidemie, die im selben Jahr allein in den USA fast 42.000 Todesopfer forderte). Außerdem verstieß der Chartstürmer gegen das, wofür TLC bekannt war: das Tragen von Kondomen auf weiten Klamotten als Zeichen für sicheren Sex.

Obwohl das Lied tatsächlich von Watkins‘ eigenen Beziehungsproblemen inspiriert war, befürchtete Lopes, dass Rison glauben würde, sie würde ihn betrügen, was möglicherweise zu weiteren angeblichen Misshandlungen in ihrer turbulenten Beziehung führen würde. Deshalb schrieb sie für den Remix einen Vers, der die Zuhörer vor den Folgen des Kriechens warnte: „Creepin‘ kann hysterisches Verhalten im Kopf hervorrufen. Bringen Sie Ihr Leben rechtzeitig in Bedrängnis. Machen Sie Sie zum Opfer eines leidenschaftlichen Verbrechens“, rappt sie .

Zu Beginn von Thomas‘ langjähriger Romanze mit dem LaFace-Produzenten Dallas Austin wurde sie vor dem Debütalbum des Trios, Ooooooohhh... On the TLC Tip, schwanger, was ihre Zukunft mit der Gruppe gefährdete. Ohne große Unterstützung aus Austin und aus Angst, dass der damalige Manager Perri „Pebbles“ Reid davon erfahren würde, ließ Thomas im Alter von 20 Jahren widerstrebend eine Abtreibung vornehmen, was er in der Dokumentation als „schreckliche Erfahrung“ bezeichnete.

„Danach erlebte ich wahrscheinlich eine Art Zusammenbruch. Ich konnte es mir nicht verzeihen“, sagt sie. „Ich fühlte einfach diese enorme Schuld für das, was ich getan hatte, und diese Schuldgefühle, mit denen nicht richtig umgegangen wurde, waren der Grund, warum ich mich noch mehr an Dallas klammerte.“

Im Jahr 1997 bekamen Thomas und Austin einen Sohn namens Tron, der für den Sänger in vielerlei Hinsicht als Abschluss fungierte. „Nachdem ich Tron hatte, hat es die Beziehung, die ich zu Dallas hatte, wirklich ins rechte Licht gerückt. Es war klar, dass das keine funktionierende, gesunde und liebevolle Beziehung war“, gibt sie zu. Ein paar Jahre später gingen sie getrennte Wege, arbeiteten immer noch kreativ zusammen und kümmerten sich um die gemeinsame Erziehung ihres Sohnes, der jetzt 26 Jahre alt ist.

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Obwohl CrazySexyCool weltweit 15 Millionen Exemplare verkaufte, zwei Nr.-1-Hits in den Billboard Hot 100 hervorbrachte und zwei GRAMMYs gewann, meldete TLC 1995 Insolvenz an, bevor sie eine fünfjährige Pause einlegte, die durch Spannungen innerhalb der Gruppe verlängert wurde. In den Monaten vor TLCs drittem Studioprojekt, FanMail – dessen Titel von Lopes geprägt und den Fans gewidmet wurde – brachte Lopes ihre Unzufriedenheit mit dem Projekt zum Ausdruck, nachdem eine Handvoll ihrer Songs von Dallas Austin abgelehnt wurden.

„Ich kann nicht hundertprozentig hinter diesem TLC-Projekt und der Musik stehen, die mich repräsentieren soll“, sagte Lopes 1999 in einem Interview mit Vibe, was Gerüchte über eine Trennung anheizte. „Dies wird mein letztes Interview sein, bis ich frei über die Wahrheit sprechen und mich in meinem Soloprojekt vorstellen kann.“

Etwa zur gleichen Zeit forderte Lopes Watkins und Thomas auf, Soloalben aufzunehmen, und setzte einen Preis von 1,5 Millionen US-Dollar für das Mitglied aus, das die meisten Exemplare verkaufte. Lopes‘ Raps sind nur auf drei der 17 Tracks von FanMail zu hören – und obwohl ein Großteil ihrer Abwesenheit sicherlich auf interne Konflikte zurückzuführen war, bestätigten Watkins und Thomas, dass Lopes‘ kreative Position „einfach nicht mit dem übereinstimmte“, was Austin produzierte. Zum Zeitpunkt von Lopes‘ Tod befand sie sich auf einem 30-tägigen spirituellen Retreat in Honduras, von dem Teile aufgezeichnet und 2007 als posthume Dokumentation „The Last Days of Left Eye“ veröffentlicht wurden.

Im Jahr 2006 kämpfte Watkins privat gegen ein Akustikusneurinom, einen potenziell tödlichen Gehirntumor, der ihre Gesichts-, Hör- und Gleichgewichtsnerven beeinträchtigte. Die damals 36-Jährige unterzog sich einer Operation zur Entfernung des Tumors, ein Risiko, das durch die seit ihrer Kindheit anhaltenden Komplikationen aufgrund der Sichelzellenanämie noch verschärft wurde.

„[Der Arzt] sagte, für den Fall, dass etwas schief geht und ich Ihr Gehör, Ihr Gesicht oder Ihr Gleichgewicht nicht retten kann, geben Sie mir den Befehl, dass Sie sich selbst retten wollen“, sagte sie im Dokument. „In dieser Branche geht es um Ihr Gesicht, Ihre Stimme, Ihr Tanzen – das ist mein ganzer Job. Also haben sie mir das Gleichgewicht genommen, ich habe mein Gesicht größtenteils bewahrt, [und] ich habe dabei nur drei Prozent [meines Gehörs] verloren.“ Zeit."

Watkins fügte hinzu, dass sie sich nach der Operation viele Jahre lang deprimiert und unattraktiv fühlte, bis ihre Mutter ihre Sichtweise änderte. „Ich erinnere mich, wie ich eines Tages in den Spiegel schaute und anfing zu weinen, und meine Mutter sagte ‚Nein‘.“ Sie sagte: „Schau, das ist nur deine Reise zurück zur Normalität. So wirst du nicht bleiben, so wirst du nicht sein. Das ist nur deine Reise zurück zu dem, wo du angefangen hast“, erinnert sie sich . „Ich sagte: ‚Ja, okay, wenn ich das so sehe, dann muss ich das nur überleben und durchstehen, dann kann ich cool bleiben. Und dann beginnt der Kampf, dass ich lebe, ich bin.‘ Ich werde das überleben, ich werde das schlagen.

Mit 53 Jahren ist Watkins immer noch stark. Der Film gibt den Zuschauern jedoch einen tieferen Einblick, wie viel Vorbereitung erforderlich ist, damit sie auftreten kann, ohne ihre Gesundheit zu gefährden. Vor und nach dem Betreten der Bühne muss Watkins ausreichend Flüssigkeit und Sauerstoff erhalten, um die Entzündung auf ein Minimum zu beschränken.

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Watkins und Thomas sprechen über den enormen Druck, dem sie seitens ihres Labels ausgesetzt waren, ohne Lopes voranzukommen, die auf tragische Weise im Alter von 30 Jahren bei einem Autounfall während ihrer Honduras-Reise ums Leben kam. „Nachdem Lisa gestorben war, sagte die Plattenfirma, sie würden ein Greatest-Hits-Album herausbringen, wenn wir [3D] nicht fertigstellen würden, also fühlten wir uns irgendwie gezwungen, wieder ins Studio zu gehen“, sagte Watkins in TLC Forever. „Uns wurde ein Ultimatum gestellt.“ Thomas fügte hinzu: „Wir hatten einen Tunnelblick, lasst es uns einfach zu Ende bringen.“

Obwohl 3D mit Platin ausgezeichnet wurde, wurde es nach TLC-Standards als kommerzieller Misserfolg angesehen. Es verkaufte sich weniger als 700.000 Mal und die Lead-Single „Girl Talk“ erreichte Platz 28 der Hot 100. Nach ihrem ersten Live-Auftritt ohne Lopes beim Z100-Jahrbuch Beim Zootopia-Konzert im Jahr 2003 schien die Musikindustrie sie abgeschrieben zu haben – aber Thomas sagte, sie habe nie das Gefühl gehabt, dass es wirklich vorbei sei. Erst bei ihrem VH1 Super Bowl Blitz-Konzert im Jahr 2014 begannen die Veranstalter, sich zu melden, was schließlich zum größten Auftritt ihrer außergewöhnlichen Karriere führte: dem Auftritt auf der Bühne in Glastonbury im letzten Jahr.

„Die größte Belohnung ist, wenn man den Nummer-1-Song nicht mehr hat und seine Touren ausverkauft sein können“, sagt Thomas am Ende des Films. „Das bedeutet, dass Sie über ein großartiges Werk verfügen, das den Test der Zeit bestehen kann, und die Zeit hat uns gezeigt, dass wir es gut gemacht haben. Wir haben es gut gemacht.“

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Foto: M. Caulfield/WireImage für VH-1 Channel – New York

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Ob „Tears of a Clown“ oder „Tears in the Club“, hören Sie sich einige der hinterhältig traurigsten Songs von Outkast, TLC, Avicii und anderen an.

Im Jahr 2003 landeten OutKast mit „Hey Ya!“ ihren zweiten Nr.-1-Hit. Der zeitlose Titel hat eine optimistische Energie, die einen dazu bringt, ihn wie ein Polaroidbild zu schütteln – bis einem zufällig der eher unglückliche Text ins Auge fällt.

„Sind wir so verleugnt, wenn wir wissen, dass wir hier nicht glücklich sind?“ André 3000 singt die zweite Strophe. Die folgende Zeile könnte seinen kontrastierenden Charakter auf den Punkt bringen: „Ihr wollt mich nicht hören, ihr wollt nur tanzen.“

Die Fähigkeit, den Zuhörern das Gefühl zu geben (und körperlich darauf zu reagieren), ist Teil der Genialität des Songwritings. Melodien wie „Hey Ya!“ – eine traurige Erzählung, getarnt durch eine ansteckende Melodie – ist ein Trick, den Outkast, REM, Smokey Robinson, Robyn und viele mehr beherrschen.

Wenn Sie schon einmal fröhlich zu einem Beat geboogelt haben, bevor Sie gemerkt haben, dass der Liedtext oben in Wirklichkeit eine große Enttäuschung ist, sind Sie mit Sicherheit nicht allein. BBC und Apple Music nennen solche Titel beide „Sad Bangers“, ein passender Name für das, was im letzten halben Jahrhundert zu einem inoffiziellen Genre geworden ist.

Anlässlich des Mental Health Awareness Month im Mai hat GRAMMY.com eine Liste mit 15 Songs zusammengestellt, die Sie sowohl in Ihre Gefühle versetzen als auch Ihren Körper in Bewegung bringen.

Die fröhliche Musik zu diesem Motown-Klassiker wurde von Stevie Wonder geschrieben, einem 25-fachen GRAMMY-Gewinner, der es versteht, tränenreiche Stücke zu erschaffen, die Ihren Körper zum fröhlichen Tanzen anregen. Das Lied mit der Fagottunterseite hat 128 Schläge pro Minute, ein Tempo, das von Produzenten moderner Tanzmusik immer noch bevorzugt wird. Wenn Smokey also „The Tears of a Clown/When There’s No One Around“ singt, ist es verzeihlich, dass einem auch ein bisschen die Seele baumelt, während man in Stimmung ist.

Gloria Gaynor hat den Pop-Hit „Never Can Say Goodbye“ der Jackson 5 aus dem Jahr 1971 für die Disco-Ära neu interpretiert. Die schwungvollen Streicherarrangements und der trabende Beat trugen dazu bei, die Tanzflächen zu füllen und das ergreifende Lied über das Festhalten an der eigenen Liebe zu erschaffen. Auch andere Coverversionen von Isaac Hayes and the Communards fangen die widersprüchliche Stimmung ein.

Das britische Duo Tears For Fears wurde international bekannt, nachdem es seinen ersten tanzbaren Hit mit einem deprimierenden und dramatischen Refrain ausstattete, der auch 40 Jahre nach seiner Veröffentlichung schwer zu erschüttern ist: „Ich finde es irgendwie lustig, ich finde es irgendwie traurig, die Träume, in denen ich“ „Ich sterbe, sind die besten, die ich je hatte.“ Später veröffentlichten Roland Orzabal und Curt Smith aufmunterndere Stücke wie „Everybody Wants to Rule The World“ und „Sowing the Seeds of Love“.

Kate Bush hat sich mit „Running Up That Hill“ dreimal in den Charts auf der ganzen Welt herumgewirbelt, beginnend mit der Veröffentlichung im Jahr 1985 und dann als unwahrscheinlicher Abschlusssong der Olympischen Sommerspiele im Jahr 2012.

„Und wenn ich nur könnte, würde ich einen Deal mit Gott machen/Und ich würde ihn dazu bringen, unsere Plätze zu tauschen/Diese Straße hochlaufen/diesen Hügel hinauflaufen/Ohne Probleme“, singt sie im Refrain von die Rennstrecke und sehnt sich danach, sorgenfreier zu sein.

Kürzlich bescherte eine Platzierung im Netflix-Drama „Stranger Things“ im Jahr 2022 der weinerlichen, in Moll-Tonart geführten Tanznummer eine ganz neue Generation von Fans. Der englische Künstler wurde kürzlich in die Rock & Roll Hall of Fame 2023 aufgenommen.

Peter Garrett, Leadsänger von Midnight Oil, kanalisierte in „Beds Are Burning“ die Wut, die er über den frühen Klimawandel und den Mangel an Landrechten der Aborigines im australischen Outback verspürte. Der kraftvolle Tanzsong überschwemmte Ende der 80er Jahre Radiowellen und Tanzflächen auf der ganzen Welt und erreichte Platz 17 der Billboard Hot 100-Charts.

„Wie können wir tanzen, wenn sich die Erde dreht?“ er singt im mitreißenden Refrain. „Wie schlafen wir, während die Betten brennen?“

Garrett hatte eindeutig eine persönliche Verbindung zur sehnsüchtigen Botschaft des Liedes: Später widmete er sein Leben dem Umweltaktivismus als Leiter der Australian Conservation Foundation und wurde gewähltes Mitglied des australischen Repräsentantenhauses.

„Gypsy Woman (She's Homeless)“, ein House-Hit über eine Frau ohne Zuhause, verhalf der New Jersey-Sängerin Crystal Waters trotz eines etwas düsteren Themas zu internationalem Erfolg. Eine anschließende Parodie auf die Sketch-Comedy-Serie „In Living Color“ machte auf den Kontrast zwischen fröhlicher und fröhlicher Instrumentierung und entmutigenden Texten aufmerksam.

„Sie ist genau wie du und ich/Aber sie ist obdachlos, sie ist obdachlos“, klingelt der Refrain. „Wie sie da steht und für Geld singt/La da dee la dee da…“

Diese fröhliche Zusammenarbeit entsteht zwischen der Rockgruppe REM und der Sängerin von B-52, Kate Pierson. Der klirrende Gitarrenpop weckt den Wunsch, in die Hände zu klatschen und mit den Füßen zu stampfen, aber der Text lässt einen fragen, ob tatsächlich alles so glänzend und fröhlich ist.

Gerüchten zufolge handelt das Lied vom Massaker auf dem Platz des Himmlischen Friedens in China, da auf Propagandaplakaten der Satz „Shiny Happy People“ zu lesen war. Da ist sich Pierson allerdings nicht so sicher.

„Ich kann mir nicht vorstellen, dass REM damals dachte: Oh, wir wollen, dass es in diesem Lied um Propaganda der chinesischen Regierung geht“, sagte sie 2021 in einem Interview mit Vulture. „Es sollte glänzend und fröhlich sein. Es war rundum positiv.“

Dank des mitsingenden Refrains und der funkigen Basslinie war „Waterfalls“ 1994 für TLC ein weltweiter Hit. Der eindringliche Schwung des Liedes mildert eine klare lyrische Warnung, die die Leute von der Grenze zurückzieht: „Don't go chasing wasserfälle/Bitte bleib bei den Flüssen und Seen, an die du gewöhnt bist/Ich weiß, dass du es haben wirst.“ Weg oder gar nichts/Aber ich denke, du bewegst dich zu schnell.

„Wir wollten einen Song mit einer starken Botschaft machen – über ungeschützten Sex, Promiskuität und das Abhängen in der falschen Menge“, teilte Rozonda „Chilli“ Thomas 2018 dem Guardian mit. „Die Botschaften in ‚Waterfalls‘ trafen ein.“ Ich denke, deshalb ist es unser bisher größter Hit.“

André 3000 singt in diesem Hit, der die Billboard Hot 100-Charts anführt, über lieblose Beziehungen zu einem skurrilen, zeitversetzten Dance-Beat. Die Ernsthaftigkeit des Liedes – von dem André 3000 einst erklärte, dass es um „den Stand der Beziehungen in den 2000er Jahren“ geht – ging bei vielen Zuhörern verloren.*

Der traurige Text wurde von Andrés schwungvollem Gesang sowie dem klirrenden Gitarren- und Keyboard-Groove des Liedes überdeckt, dessen Geschwindigkeit sich am Ende aller vier Takte ansteckend verdoppelt. Sogar Outkast selbst konnte nicht umhin, in einem Tweet aus dem Jahr 2021 die Gegenüberstellung des Songs anzuerkennen.

Ein vorletztes Beispiel für einen traurigen Knaller ist „Dancing On My Own“ des schwedischen Popstars Robyn. Der reumütige Song – ein Top-10-Hit in mehreren Ländern – fordert Sie auf, Ihre Sachen abzuschütteln, während Sie sich gleichzeitig vorstellen, wie Sie Ihrem Ex im Club zusehen, wie er weitermacht. Das Cover von Calum Scott aus dem Jahr 2016 bringt die Traurigkeit, die Robyns Uptempo-Version überdecken kann, wirklich zum Vorschein.

„Sagte, ich bin in der Ecke und sehe zu, wie du sie küsst, oh nein/Und ich bin genau hier, warum kannst du mich nicht sehen?“ Robyn singt im Refrain. „Und ich gebe mein Bestes/ Aber ich bin nicht das Mädchen, das du mit nach Hause nimmst.“

Spaß. (das Trio aus Jack Antonoff, Andrew Dost und Nate Ruess) ist vor allem für die zeitgeistige Pop-Rock-Power-Ballade „We Are Young“ bekannt, in der es um die unerbittlich positive Begeisterung der Jugend in der Stadt geht. Der Titelsong ihres 2012er Albums Some Nights (das „We Are Young“ enthält) ist ein viel tänzerischer, aber auch traurigerer Song.

"Wofür stehe ich?" fragt Ruess, während deine Füße im Takt mitschlurfen. „An den meisten Abenden weiß ich es nicht mehr.“

Avicii arbeitete mit der gefühlvollen Popsängerin Aloe Blacc für diesen weltweiten Chartstürmer zusammen, der als eine der Spitzenhymnen des EDM gilt. Der klatschende Beat verdeckt den traurigen, selbstreflexiven Text des Titels über das Verlorensein.

Der Selbstmordtod des schwedischen DJs/Produzenten im Jahr 2018 verleiht Blaccs leidenschaftlichem Refrain eine noch schwerere Note: „So wake me up when it's all over/When I'm wiser and I'm old/All this time I was find yourself, and I /Ich wusste nicht, dass ich verloren war.

„Never Be Like You“ ist nicht das schnellste Stück in der basslastigen Diskographie des australischen DJs/Produzenten Flume, aber der zarte Track hat dennoch einen unwiderstehlichen Kick. Die kanadische Sängerin Kai fleht ihren Geliebten an, sie nicht zu verlassen („How do I make you wanna bleiben?“), aber ihr schöner Ton schafft es dennoch, das Lied hoffnungsvoll zu halten.

Die offensichtlichste Auswahl dieser gesamten Liste ist „Tears In The Club“, wo FKA Twigs und The Weeknd auf die Tanzfläche gehen, um die Überreste einer schlechten Beziehung abzuschütteln. Der Sänger/Tänzer äußerte sich offen darüber, in einer missbräuchlichen Beziehung zu sein, und das Lied ist ein zurückhaltender Pop, der von verzweifelten Gesängen wie „I might die on the beat, love“ getragen wird.

Fast 30 Jahre nachdem DJ/Produzent Todd Terry mit einem Remix von „Missing“ dazu beigetragen hatte, „Everything But the Girl“ der internationalen Tanzmusik-Community vorzustellen, wandte sich das Duo bei „Nothing Left to Lose“ seiner elektronischen Seite zu. „Nothing Left to Lose“, eine Single aus ihrem ersten Album seit 24 Jahren, Fuse, verfügt über eine schmatzende elektronische Basslinie, die die hilflose Sehnsucht des Songs kontrastiert.

„Ich brauche eine dickere Haut/ Dieser Schmerz dringt immer wieder ein/ Sag mir, was ich tun soll/ Weil ich immer auf dich gehört habe“, singt Tracy Thorne des Paares in der Eröffnungsstrophe. Später stellt sie eine Forderung, die die Konflikte eines typisch traurigen Krachers treffend zusammenfasst: „Küss mich, während die Welt untergeht.“

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Fotos (von links nach rechts): GAB Archive/Redferns, Ron Galella/Ron Galella Collection über Getty Images, Kevin Winter/Getty Images, Chung Sung-Jun/Getty Images

Besonderheit

Tauchen Sie von den Supremes bis zu den Spice Girls tief in die Geschichte der Girlgroups ein – und wie ihre Lieder, Auftritte und Stimmgewalt die Popkultur veränderten.

Seit mehr als acht Jahrzehnten haben sich Girlgroups ihren Weg in das kollektive Bewusstsein geebnet, die Stärkung der Frauen in den Vordergrund gerückt – und dabei die Kultur verändert.

Natürlich gibt es Girlgroups in vielen Formen: Es gibt die familienfreundlichen Andrew Sisters, die Funk-Rock-inspirierten Labelle und die R&B-lastigen Destiny's Child. Mit der Weiterentwicklung des Konstrukts der Girlgroup hat sich auch ihr kultureller Einfluss weiterentwickelt – während Acts wie die Supremes dazu beigetragen haben, die Popmusik in Amerika in eine vielfältigere Richtung zu lenken, haben J-Pop- und K-Pop-Gruppen dazu beigetragen, dass Girlgroups weltweit wahrgenommen werden Objektiv in den letzten Jahren.

Was alle diese Gruppen verbindet, sind ihre ansteckenden und inspirierenden Aufzeichnungen, die Frauen dazu ermutigt haben, sich auszudrücken und sich dabei befähigt zu fühlen. Gruppen wie die Spice Girls und die Shangri-Las haben beispielsweise Frauen dabei geholfen, alle Seiten ihrer selbst zum Ausdruck zu bringen und die Welt daran zu erinnern, dass es einen Gegensatz zwischen Freude und Schönheit gibt.

Während sich der Women's History Month seinem Ende nähert, feiert GRAMMY.com alle mächtigen Frauen, die Teil der Entwicklung der Girlgroup waren. (Um das Feld einzugrenzen, charakterisieren wir eine Girlgroup als Acts mit mindestens drei Mitgliedern und einem Schwerpunkt auf Gesangsdarbietungen; daher werden Sie in dieser Liste keine Bands wie die Go-Gos oder die Chicks sehen.)

Werfen Sie unten einen Blick darauf, wie sich Girlgroups sowohl in ihrer Struktur als auch in ihrer Wirkung seit fast 90 Jahren – und noch mehr – verändert haben, und hören Sie sich die offizielle Girlgroups-Playlist von GRAMMY.com auf Amazon Music, Spotify, Apple Music und Pandora an.

Obwohl Frauen zweifellos seit Anbeginn der Zeit zusammen gesungen haben, entstand das formelle Konzept der Girlgroup irgendwann in den 20er oder 30er Jahren, als eng harmonierende Familiengruppen wie die Boswell Sisters und die Hamilton Sisters (die …) immer beliebter wurden letztere würden Three X Sisters werden). Zu Beginn des Zweiten Weltkriegs erlebten die Gruppen einen wirklichen Anstieg der Popularität – vielleicht, weil der Eintritt von mehr Frauen in die Arbeitswelt die Menschen für die Idee der Pop-Girlgroup öffnete, oder vielleicht, weil die Soldaten im Ausland Trost und leichte Aufregung suchten durch die sanften Klänge und das attraktive Aussehen der Gruppen.

Die Andrews Sisters, die 1937 offiziell als Boswell Sisters-Tribute-Act gegründet wurden, wurden mit Titeln wie „Boogie Woogie Bugle Boy“ und „Don't Sit Under The Apple Tree (With Those Else But) die beliebteste der Schwester-Acts Me)“ und „Beer Barrel Polka (Roll Out The Barrel)“ direkt an die Spitze der Charts. Sie gelten als eine der erfolgreichsten Girlgroups aller Zeiten und haben schätzungsweise 80 Millionen Platten verkauft, Tendenz steigend. Andere Mädchengruppen folgten dem Auftritt der Andrews, darunter die Dinning Sisters, die „They Just Chopped Down The Old Apple Tree“ als Antwort auf den Hit ihrer Rivalen veröffentlichten.

Die Andrews Sisters waren bis weit in die 50er Jahre hinein beliebt und inspirierten ähnliche Close-Harmony-Acts wie die Chordettes, die mit Titeln wie „Mr. Sandman“ und „Lollipop“ Erfolg hatten, und die Lennon Sisters, die zu einer tragenden Säule bei „The“ wurden Lawrence Welk Show.

Etwa in der Mitte des Jahrzehnts begannen Girlgroups, sich etwas stärker an der Doo-Wop-Bewegung zu orientieren, wobei Songs wie „Mr Lee“ von den Bobbettes den Weg für eine Welle rein schwarzer Girlgroups ebneten. Die Chantels, die gemeinsam im Chor gesungen hatten, folgten schnell mit „Maybe“, das den Stil des Genres mit einer Mischung aus Rock, Pop und Doo-Wop festigte, die für die kommenden Jahre als klangliche Vorlage dienen sollte.

Im Jahr 1961 hatten die Shirelles schnellen Erfolg mit Titeln wie „Tonight's The Night“ und „Will You Still Love Me Tomorrow“, die als erste Girlgroup-Aufnahme auf Platz 1 der Billboard Hot 100-Charts landeten. Die Gruppe hatte im Laufe des Jahrzehnts fünf weitere Hit-Singles und inspirierte Acts wie die Marvelettes, deren „Please Mr. Postman“ die erste Nr.-1-Single für Motown Records werden sollte.

Um an diesen Erfolg anzuknüpfen, investierte Motown viel in die Gründung weiterer Girlgroups und stellte Trios und Quartette aus verschiedenen Sängerinnen zusammen, die sie zuvor möglicherweise für Soloauftritte ins Auge gefasst oder gar nicht unter Vertrag genommen hatten. Aus dieser geschäftstüchtigen Gestaltung gingen Martha and the Vandellas, die Velvelettes und eine kleine Band namens Supremes hervor, die laut CNN zur erfolgreichsten amerikanischen Gesangsgruppe aller Zeiten werden sollte. Der Erfolg der Motown-Acts – von denen die meisten alle Schwarze waren – war auch ein Zeichen dafür, dass die amerikanische Kultur die Integration populärer Musik zunehmend akzeptierte.

Nachdem Motown den Erfolg bei der bewussten Gestaltung seiner Girlgroups gesehen hatte, versuchten andere Produzenten und kleine, unabhängige Labels, etwas von diesem Blitz für sich selbst einzufangen. Das Label Philles profitierte vom Sound der Crystals und Ronettes, während Jerry Lieber und Mike Stoller die Shangri-Las und die Dixie Cups bei ihrem Label Red Bird unter Vertrag nahmen. Tracks wie „Give Him A Great Big Kiss“ von den Shangri-Las boten eine überraschend reale Perspektive auf die Schwärmereien von Teenager-Mädchen, während „Leader Of The Pack“ dazu beitrug, eine weibliche Perspektive in ein Subgenre von Songs über makabre Teenager-Tragödien zu bringen, die zuvor von All-Stars dominiert wurden. männliche Acts wie Jan And Dean und Wayne Cochran And The CC Riders.

Labelle wurde in den 60er Jahren erstmals als Patti LaBelle and the Bluebelles gegründet und verdrängte das Genre aus dem Sock-Hop in den Nachtclub und wurde zu einer der führenden Girlgroups der 70er Jahre. Ihre funkigen, rockigen Singles waren anders als alles, was Girlgroup-Fans zuvor gehört hatten, und 1974 eroberte die Gruppe Amerikas Herz mit „Lady Marmalade“, einem leicht suggestiven Song, der aus den Diskotheken ins kollektive Bewusstsein gelangte. Andere Bands, die ursprünglich in den 60er Jahren gegründet wurden, hatten ähnlichen Erfolg, wie die Three Degrees, die eine Reihe von Hits hatten, darunter das sonnige und beruhigende „When Will I See You Again“.

Auch Sister Sledge nutzte den Disco-Boom und schuf bleibende Hits wie „We Are Family“ und „He’s The Greatest Dancer“. Die Pointer Sisters durchliefen zuvor einen Regenbogen von Genres, darunter R&B (1973 das funkige „Yes We Can Can“) und Country (1974 „Fairytale“, das 1975 einen GRAMMY für die beste Country-Performance eines Duos oder einer Gruppe mit Gesang gewann). Ihren größten Erfolg feierten sie zu Beginn des nächsten Jahrzehnts mit Titeln wie dem schwülen „Slow Hand“ und dem hektischeren „I'm So Excited“.

In den 80er-Jahren erlebten Girlgroups eine gewisse Flaute, als sich die Kultur in Richtung Hair Metal und Hip-Hop entwickelte. Einige Acts schafften dennoch den Durchbruch und eroberten die Herzen der Zuhörer mit tanzfreudigen Stücken voller lateinamerikanischem Freestyle-Flair. Voller Synthesizer und synkopierter Percussion brach Freestyle aus Clubs und Partys in New York und Philadelphia aus und fand vor allem beim hispanischen und italienisch-amerikanischen Publikum großen Anklang.

Miamis Exposé war einer der größten Freestyle-Acts des Jahrzehnts und vermischte Girlgroup-Harmonien mit synthetischen Klängen für Hits wie „Point Of No Return“ und „Seasons Change“. Zwei New Yorker Gruppen, Sweet Sensation und The Cover Girls, hatten Freestyle-Erfolge, die eine Brücke zwischen den 80er und 90er Jahren schlugen. „Never Let You Go“ von Sweet Sensation stürmte die Dance-Charts, und obwohl „Show Me“ und „Because Of You“ der Cover Girls nicht ganz so beliebt waren, haben sie immer noch einen besonderen Platz im Herzen der Freestyle-Fans.

In den 90er-Jahren erlebten Girlgroups einen großen Aufschwung, was zum Teil der Dringlichkeit des New Jack Swing und einem erneuten Interesse an den sanften Gesangsstilen des R&B zu verdanken war. En Vogue war eine der ersten Gruppen, die in den 90er-Jahren den Durchbruch schafften. Die Debütsingle „Hold On“ erreichte 1990 erstmals die Billboard-Charts. Ihre größten Tracks kamen später im Jahrzehnt, mit dem kraftvollen „Free Your Mind“ und „ „Giving Him Something He Can Feel“ zeigt die stimmliche Bandbreite und den Charakter des Quartetts.

Etwa zur gleichen Zeit wie En Vogue erlangten auch zwei Gruppen aus Atlanta Bekanntheit. Den Anfang machte das straßenaffine Quartett Xscape, das sich die Klänge von 1993 mit Titeln wie „Just Kickin‘ It“ zunutze machte.

TLC hatte einen dynamischeren Bogen und drang erstmals in das kollektive Bewusstsein mit dem neuen, von Jack Swing geprägten „Ooooooohh… On The TLC Tip“ ein, das drei Top-10-Singles enthielt, darunter „Ain't 2 Proud 2 Beg“. Die weiten Hosen und die Hip-Hop-Ästhetik der Gruppe sprengten die Grenzen der Girlgroup, zum Teil, weil ihre Mitglieder ihre sexuellen Wünsche tatsächlich anerkannten und auch das Bedürfnis, dass jeder sicheren Sex haben sollte. Später im Jahrzehnt erreichte TLC mit Titeln wie „Waterfalls“ und dem GRAMMY-prämierten „No Scrubs“, wobei letzteres tatsächlich von zwei Mitgliedern von Xscape gemeinsam geschrieben wurde, noch höhere Höhen.

Destiny's Child entstand Ende der 90er Jahre zunächst als Quartett in Houston, verlor jedoch später einige Mitglieder und gewann neue hinzu, so dass sie schließlich ein Trio bildeten. Während es schwer war, die schiere Starpower von Beyoncé zu ignorieren, funktionierten die drei im Allgemeinen als Gruppe und brachten eine Reihe tanzbarer Ohrwürmer hervor, darunter „No, No, No“ und „Bills, Bills, Bills“. Bis zu ihrer Auflösung im Jahr 2006 verkauften Destiny's Child zig Millionen Platten und erhielten drei GRAMMY Awards (und insgesamt neun Nominierungen).

Im Westen kanalisierten Chyna Phillips, Wendy Wilson und Carnie Wilson von Wilson Phillips die Klänge ihrer jeweiligen Eltern, die Mitglieder der Beach Boys und der Mamas & The Papas gewesen waren. Ihre Songs enthielten Gesangsharmonien und drehten sich hauptsächlich um emotionale Sehnsüchte und wandten sich gegen den Dance und Funk, der in den 90er-Jahren einen Großteil des Radiosenders beherrschte.

In den 90er-Jahren erlangten Girlgroups auch im Vereinigten Königreich großen Anklang, was etwa zur gleichen Zeit durch einen Boyband-Boom im Land beflügelt wurde. Zwei Gruppen – All Saints und die Spice Girls – wurden tatsächlich von Managern zusammengestellt, was jedoch nicht dazu beitrug, die Besorgnis der Kritiker zu zerstreuen, dass ein Großteil der damaligen Popmusik vollständig erfunden war. (Eine weitere tragende Säule des Vereinigten Königreichs, Irlands B*Witched, hat sich organisch zusammengefunden.)

Ungeachtet dessen hatten sowohl All Saints als auch die Spice Girls kommerziellen Erfolg, wobei letztere nicht nur wegen eingängiger Popsongs wie „Wannabe“, sondern auch wegen der einzigartigen Persönlichkeiten des Quintetts und der Stärke ihrer „Girl-Power“-Botschaft absolut riesig wurden. Die Spice Girls spielten sogar in ihrem eigenen Film „Spice World“, der 1997 auf dem Höhepunkt der Spice-Manie herauskam und sofort Vergleiche mit „A Hard Day’s Night“ der Beatles auf sich zog.

Zu Beginn der 2000er-Jahre dominierten weiterhin Girlgroups. Eine Reihe von Mädchengruppen der 2000er-Jahre bildeten sich im Rahmen von Reality-Programmen im Fernsehen, darunter die britische Sensation Girls Aloud in der ITV-Show „Popstars: The Rivals“ und Danity Kane, die sich beide über drei Staffeln von Sean Puffy Combs‘ „Making The Band“ gründeten und weiterentwickelten ." Das Fernsehen fungierte als großartige Startrampe für diese Pop-Acts, da die Fans durch das Ansehen der Show oft emotional in den Erfolg der Gruppe investiert waren und so schnell mit an Bord waren, als eine neue Single herauskam.

Girls Aloud und Danity Kane – sowie ihre Kollegen wie Dream, 3LW und Blacque – machten Popmusik, die sexy, selbstbewusst und überlebensgroß war, mit dazu passenden teuer aussehenden Musikvideos. Die Songs wechselten auch oft vom Pop zum Urban Radio.

Eine weitere der erfolgreichsten (und sexiesten) Girlgroups der 2000er Jahre entstand ebenfalls auf eher umständlichen Wegen. Die Pussycat Dolls hatten mit Titeln wie „Don't Cha“ und „Buttons“ Erfolg, doch der eigentliche Ursprung des Namens und der Marke Pussycat Dolls liegt fast 15 Jahre früher, als ein in LA ansässiger Choreograf namens Robin Antin eine Burlesque-Truppe gründete. Nachdem ihre Clubveranstaltungen und Tänzer immer beliebter wurden (sie posierten sogar für den Playboy), wurde sie von Jimmy Iovine von Interscope Records gedrängt, den Namen einer Popgruppe zuzuordnen.

Antin rekrutierte fünf Sängerinnen, die den Ton halten konnten und gut aussahen, darunter Nicole Scherzinger – die ursprünglich in Eden’s Crush, einer anderen Gruppe, die in einer TV-Show, der US-Version von „Popstars“, gegründet wurde, ihren Anfang nahm – und die Pussycat Dolls stolzierten schnell auf Radiosender und Billboard-Charts mit ihren eingängigen, mehrspurigen (und oft gewagten) Hits.

Auch Girlgroups erlebten in den 2000er-Jahren rund um den Globus großen Aufschwung: Las Ketchup aus Spanien produzierte das wahnsinnig eingängige Pop-Lied mit dem treffenden Namen „The Ketchup Song“, Play aus Schweden feierte kommerziellen Erfolg auf dem amerikanischen Markt und Atomic Kitten aus Großbritannien gründete sich reines Songwriting-Vehikel für Andy McCluskey und Stuart Kershaw von Orchestral Maneuvers In the Dark. Mitglieder der letzteren kamen und gingen im Laufe ihrer Karriere, aber Songs wie „Whole Again“ (das ebenfalls von Play aufgenommen wurde) haben den Test der Zeit bestanden.

Obwohl die moderne K-Pop-Kultur in Südkorea Ende der 90er-Jahre ihren Anfang nahm, nahm sie in den 2000er-Jahren richtig Fahrt auf, wobei sowohl Boybands als auch Girlgroups von der wachsenden Hallyu- oder koreanischen Welle profitierten. Eine davon, Wonder Girls, hatte in den späten 2000er-Jahren mit genreübergreifenden Titeln wie „Tell Me“ und „Nobody“ schnellen Erfolg, was zum Teil der Fähigkeit des Pop-Acts zu verdanken war, auf Tour mit ihnen englische Versionen ihrer Songs aufzuführen Jonas Brothers.

Zwei der größten Girlgroups der 2010er Jahre kamen ebenfalls aus im Fernsehen übertragenen Reality-Wettbewerbsshows. Little Mix, ein Quartett, wurde auf der britischen Sendung „The Meine Ex."

In den USA wurde Fifth Harmony bei „The X Factor“ geboren, wo alle fünf Mitglieder in der Staffel zuvor einzeln angetreten waren, aber nicht weiterkamen. Doch nachdem die Produzenten sie zurückgeholt hatten, um als Gruppe gegeneinander anzutreten, wurde „Fifth Harmony“ geboren. Die Zuschauer wählten den Namen und verhalfen ihnen schließlich zum dritten Platz im Wettbewerb.

Das Quintett ging aus der Show hervor, die als Juror bei Simon Cowells Plattenlabel Syco unter Vertrag stand, und begab sich wie so viele großartige Girlgroups zuvor auf eine Tour durch Einkaufszentren und Talkshows, bevor es schließlich eine Popplatte veröffentlichte, die sowohl von Hip-Hop als auch von R&B geprägt war. Fans waren begeistert von Songs wie „I'm In Love With A Monster“ und „Work From Home“, dem Monsterhit mit Fallen, der seit seiner Veröffentlichung Milliarden von Hits auf YouTube einheimste.

Die K-Pop-Welle setzte sich auch in den 2010er-Jahren fort, mit Gruppen wie Girls Generation und Twice, die beide mit acht bzw. neun Mitgliedern den Rahmen einer traditionellen Girlgroup sprengten. Zur gleichen Zeit erlangte die J-Pop-Band AKB48 große Popularität, mit einer Struktur, die Girlgroups noch nie zuvor gesehen hatten – sie hat insgesamt 80 Mitglieder, wobei die Gruppe in verschiedene „Teams“ aufgeteilt ist, in die die Mitglieder gewählt werden von begeisterten Fans. Alle drei Acts waren buchstäblich und im übertragenen Sinne riesig und verkauften zig Millionen hochproduzierter Bubblegum-Pop-LPs und überlebensgroßer Dance-Singles.

Der Erfolg von K-Pop-Girlgroups erreichte ein neues Niveau, als BLACKPINK 2016 die Szene betrat und sich gründete, nachdem ihre Mitglieder einer Girlgroup-Akademie beitraten und eine Art Girlgroup-Bootcamp absolvierten. Das Ergebnis ist eine fein abgestimmte Musikmaschine, die einen Pop-Hit nach dem anderen produziert – darunter „Boombayah“ und „DDU DU DDU DU“ – sowie Musikvideos, die online milliardenfach angeschaut wurden.

Angespornt durch die Hingabe ihrer Fans (bekannt als die BLINKs) ist es BLACKPINK auch gelungen, eine beeindruckende Liste an Auszeichnungen zu ergattern. Sie waren der erste asiatische Act, der als Headliner bei Coachella auftrat, die ersten weiblichen K-Pop-Künstlerinnen auf dem Cover von Billboard und haben die meisten Abonnenten aller Musik-Acts auf YouTube. Aber sie sind nicht der einzige weibliche K-Pop-Act, der Girlgroups hilft, am Leben zu bleiben: Gruppen wie Mamamoo und Red Velvet veröffentlichten in den 2010er Jahren einen Hit nach dem anderen, und 2NE1 eroberte überall Herzen mit Tracks wie „Lonely“ und „I Am The Best“. " Im Jahr 2012 begab sich 2NE1 auf die von vielen als erste Welttournee einer K-Pop-Girlgroup angesehene Welttournee, die 11 Städte in sieben Ländern besuchte.

Flo ist eine britische Girlgroup, deren Mitglieder sich aus ihren individuellen Kulturen schöpfen, um einen einzigartigen, Hip-Hop-beeinflussten Sound zu kreieren. Flo wurde auch von Künstlern wie Ciara und Amy Winehouse beeinflusst. Obwohl sie erst seit ein paar Jahren zusammen sind, wurde ihr einzigartiger Retro-Sound in Großbritannien fast sofort populär, wobei ihre Debütsingle „Cardboard Box“ innerhalb weniger Tage nach ihrer Veröffentlichung Anfang 2022 fast eine Million Aufrufe auf YouTube verzeichnete. Ein weiterer Hit Es folgten Singles wie „Immature“ und „Summertime“.

Eine weitere durch und durch moderne Mädchengruppe, Boys World, wurde gegründet, nachdem Manager online Videos von fünf verschiedenen singenden Frauen gefunden und sie dann kontaktiert hatten, um zu sehen, ob sie sich zusammentun wollten. Sie sagten ja, eröffneten ein TikTok-Konto und zogen gemeinsam in ein Haus in Los Angeles. Ihr reiner Online-Ansatz, eine Girlgroup zu werden, hat das Publikum ebenso in seinen Bann gezogen wie ihre kraftvollen Hymnen.

Auch die K-Pop-Welle hat weiter zugenommen, wobei BLACKPINK im Jahr 2023 als Headliner bei Coachella auftritt und die schnell aufstrebenden NewJeans sich die Auszeichnung verdienen, der allererste weibliche koreanische Act zu sein, der später in diesem Sommer Lollapalooza spielt. Wie so viele Girlgroups vor ihnen sprengen beide Acts weiterhin Grenzen und beeinflussen die Kultur insgesamt, was beweist, dass das Genre so wichtig ist wie eh und je.

Auch wenn es sie vielleicht nicht mehr so ​​zahlreich gibt wie in den vergangenen Jahrzehnten, ist die Girlgroup-Bewegung sicherlich noch nicht zum Stillstand gekommen. Und da die Vielfalt an Frauen immer noch das Publikum rund um den Globus in ihren Bann zieht, werden Girlgroups Ihr Leben wahrscheinlich noch viele Jahre lang aufpeppen.

Hören Sie sich die Playlist „Women's History Month 2023“ von GRAMMY.com an: Schwimmen Sie im göttlichen Femininen mit diesen 40 Songs von Rihanna, SZA, Miley Cyrus, BLACKPINK und mehr

Süßes Tabu

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Sehen Sie in der neuesten Folge von ReImagined At Home, wie die Latinx-Girlgroup Sweet Taboo dem GRAMMY-prämierten R&B-Klassiker „No Scrubs“ von TLC aus dem Jahr 1999 ihre eigene Note verleiht.

Auf der Suche nach den Zutaten für die perfekte Girlgroup im Jahr 2021? Drei Latinas aus Los Angeles haben genau das, was Sie brauchen.

Die Latinx-Girlgroup Sweet Taboo besteht aus dem Rapper ICP Bre und den Sängerinnen Jen Torrejon und Sami Ramos und beschreibt ihren Sound als eine Fusion aus Latin-, Rap- und R&B-Elementen.

Diese einzigartige Mischung kommt in der neuesten Folge von ReImagined At Home voll zur Geltung, wenn Sweet Taboo charismatisch den mit dem GRAMMY ausgezeichneten R&B-Klassiker „No Scrubs“ von TLC aus dem Jahr 1999 covern. (Die ursprüngliche TLC-Version des Songs gewann den GRAMMY für die beste R&B-Performance eines Duos oder einer Gruppe mit Gesang bei den 42. GRAMMY Awards, die im Jahr 2000 stattfanden; das Album, auf dem der Song vorgestellt wurde, FanMail, gewann den GRAMMY für die beste R&B-Album am selben Abend.)

Obwohl sie nur zwei Songs auf ihrem Namen haben, sprudeln Sweet Taboo dank ihrer fesselnden Coverversionen und vielversprechenden Singles wie „Lil Bit“ und „Used to It“ dem Ruhm entgegen. Von DJ Khaled bis Kehlani sind bekannte Namen bereits auf die Gruppe aus Los Angeles aufmerksam geworden, die derzeit an ihrer selbstbetitelten Debüt-EP arbeitet.

Wenn Ihnen Sweet Taboos Auftritt von „No Scrubs“ gefallen hat, schauen Sie sich unten weitere Folgen von ReImagined At Home an.

Kali Uchis darüber, was es bedeutet, im 21. Jahrhundert ein lateinamerikanischer „Crossover“-Star zu sein

Chucky Thompson

Foto: Russell Webster

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Mit einer Vorliebe für die Verbindung rauer, perkussiver Beats mit klassischen Soul-Samples hat Chucky Thompson mit seinem Gespür und seiner Leidenschaft R&B und Hip-Hop der 90er Jahre definiert – hören Sie hier 10 seiner ikonischen Tracks

Carl E. „Chucky“ Thompson Ursprünglich wollte er Künstler managen, aber seine Leidenschaft für raue Beats, Soul-Samples und die Treue zu seinen Mitarbeitern führten dazu, dass sein Gehör das Gesicht des R&B und Hip-Hop der 90er Jahre veränderte. Als autodidaktischer Musiker hat sich der gebürtige Washingtoner als Schlagzeuger für die Go-Go-Musiklegende seine ersten Erfahrungen gemachtChuck Brownwar Mitglied seiner Band The Soul Searchers, bevor er ihr beitratSean „Diddy“ Combs'eigenes Produktionsteam bei Bad Boy Entertainment, The Hitmen, nach dem Erfolg vonMary J. Blige'SMein LebenAlbum im Jahr 1994.

„Bestimmte Dinge sind nur das Leben und Gott“, sagte Thompson kürzlich in einem Interview mit GRAMMY.com, „diese Situation kam daher, dass ich zur richtigen Zeit am richtigen Ort war.“

Die Nachricht von seinem frühen Tod erschütterte die Musikindustrie, aber der GRAMMY-Nominierte hinterließ uns als Architekt des Hip-Hop-Souls zeitlose Musik. Hier sind 10 Hits und Albumschnitte, die der beliebte Chucky Thompson für mehrere äußerst talentierte Künstler aller Genres produziert hat, die ihm die Welt bedeuteten.

Mary J. Blige wurde nach dem dreifachen Platin-Erfolg ihrer Debüt-LP „What's the 411?“ aus dem Jahr 1992 zur Königin des Hip-Hop-Souls gekrönt. war aber auf der Suche nach Material für ihr Zweitwerk „My Life“ aus dem Jahr 1994.

Frustriert darüber, dass die Demos ihre Aufmerksamkeit nicht sofort erregten und ihre Kollegen vom ersten Album ihre Preise erhöhten, nahm Thompson für das Intro ein paar Sirenentöne, die an G-Funk der Westküste erinnern, und verlangsamte das Tempo mit einem hohlen Go-Go Musik, die Blige die Haare im Nacken sträubt. Es war für Blige der Grundstein, ihr bisher persönlichstes, klassisches Album zu machen, und für Thompson, einen Löwenanteil der Produktion von „My Life“ zu übernehmen.

Der berüchtigte GROSSEmachte im Winter 1994 dank Thompsons Ohren- und Konsolenkontrolle unverfroren eine typische Playa-Hymne für die Ewigkeit. „Big Poppa“ mit seinem erkennbarenIsley BrothersDas „Between the Sheets“-Sample, gepaart mit einem Loop-Takt, den Biggie bei Super Cats „Dolly My Baby“-Remix ausstieß, überzeugte Hörer und Pop-Radio davon, dass der rundliche, in Brooklyn geborene Moderator den Damen das Höschen ausziehen und dieses Charisma in verwandeln konnte Platinplaketten.

Platzanweiser Vielleicht sorgt er gerade auf dem Vegas Strip für Furore, aber 1994 war er nur ein jugendlicher Newcomer, der immer noch versuchte, seine musikalische Identität zu finden. Thompson wurde von Diddy ins Boot geholt, um dem zukünftigen Megastar einen gewissen Vorsprung zu verschaffen, also drehte er „Tidal Wave“ von Ronnie Laws, ein Sample, das er aus Black Moons klassischem Knaller „Who Got Da Props“ kannte, um etwas von diesem neuen Touch zu bekommen Jack-Geschmack auf Usher.

Bei dieser „Think of You“-Session traf Thompson auch zum ersten Mal seine Songwriter.Glaube Evans und Donell Jones: Dies führte dazu, dass er im folgenden Jahr als ausführender Produzent von Faiths Debüt-LP fungierte. Mit Choreografie vonTLCMitgliedT Bozund ein Auftritt der Sängerin/Schauspielerin Taral Hicks im Musikvideo „Think of You“ blieb auf Platz 58 der Billboard Hot 100 stehen, bleibt aber ein Favorit für Usher-Fans.

Es gab keine erfolgreichere (oder bessere) Frauengruppe als das Atlanta-Trio TLC im Jahr 1994. Ihr zweites Album, CrazySexyCool, war ein Chartstürmer, der Hits wie „Creep“, „Waterfalls“ und „Red Light Special“ hervorbrachte. Aber Thompson wusste auch, wie wichtig es ist, Musik kurz, aber bündig zu machen.

Thompson spielte Gitarre, Keyboards und Schlagzeug und teilte den verspielten Funk-Groove in zwei Schnipsel: einen mit T-Boz-Vamping, den anderen mitBusta RhymesDen Albumtitel aufschlüsseln und dabei über die wesentlichen Eigenschaften von Fliegenküken klagenLinkes AugeAd-libs unter seinem ungepflegten Gesang.

Ein paar Tonleitern pulsieren, bevor es dank des treibenden Schlagzeugs und des Bassriffs in seinen Groove übergehtJames Brown ist gut gesampeltes „The Payback“. Das bahnbrechende Frauentrio Total von Bad Boy Entertainment wurde von den höflichen, heißen 16 Bars von The Notorious BIG begleitet, um ihre Debütsingle zunächst auf dem New Jersey Drive-Soundtrack von 1995 zu veröffentlichen, bevor sie im selbstbetitelten Debütprojekt des Trios landete.

Thompson schloss sich seinen Hitmen-Produzenten Diddy, Herb Middleton und Rashad „Tumblin‘ Dice“ Smith an, um Total eine klangliche Schulter zum Weinen für einen Liebhaber zu geben, den sie scheinbar nicht abschütteln können; wird wohl zu einer der Signature-Singles von Bad Boy.

Neue Edition für Home Again aus dem Jahr 1996 vollständig (alle sechs Mitglieder) wieder vereint. Thompson kramte zusammen mit den Hitmen-Kollegen Stevie J. und Diddy in den Kisten, fand „Your Love“ von James Brown und verlieh der älteren R&B-Boyband etwas Straßenhitze: so sehr, dass Michael Bivins und Ronnie DeVoe ihren Charme in Spucke verwandelten. ein paar Takte. Die Albumversion befriedigt die Palette völlig, bis der Trackmasters-Remix des Songs mit einem Vor-Superstar noch einen drauflegtMissy „Vergehen“ Elliot.

Thompson war wirklich nicht in der Lage, dieses Lied zu schreiben, weil er auf dem Weg zurück nach DC war. Als treuer Mensch, für den die Musik immer an erster Stelle stand, wurde er von Diddy durch eine Bitte von Faith überzeugt, eine Klaviermelodie abzustauben, die er damals geschrieben hatte er war erst 16 Jahre alt. Er schmiegte es gekonnt unter den hauchenden, verführerischen Gesang der GRAMMY-prämierten Sängerin/Songwriterin, die sie auf ihrem Anrufbeantworter aufgenommen hatte. Unterstützt von einigen schnappenden Snares wurde „Faiths Flehen an einen isolierten Lebensgefährten“ zur zweiten Single ihres selbstbetitelten Debütprojekts von 1995 mit Platin und zu einer ihrer bekanntesten Balladen.

Nas gilt allgemein als einer der größten Moderatoren im Hip-Hop, doch 2001 wusste Thompson, dass Escobar eine Hymne als Zugabe bei seinen Auftritten brauchte. Die Höhe derJAY-Z/Nas-Rind braute sich zwischen „Takeover“ und „Ether“ zusammen, aber der Produzent wusste, dass er nehmen musstePhil Collins„In the Air Tonight“ soll Nas den Raum geben, zu zeigen, wie ikonisch er ist.DMXsollte als Feature erscheinen, aber Nas wollte diesen Moment ganz für sich alleine haben.

Thompson liebte und respektierte schwarze Frauen in ÜbergrößeRaheem DeVaughn Mit der LP „Love Behind the Melody“ aus dem Jahr 2008 überzeugte er seinen Landsmann aus DC, einen Song zu machen, der die kurvigen Schwestern strikt zelebriert. Inspiriert von den Keyboards, die er im Duett von JAY-Z und Chrisette Michele hörte, produziert vonDr. DreIn „Lost Ones“ verhalf Thompson DeVaughn zu einer GRAMMY-Nominierung für die beste männliche R&B-Gesangsdarbietung für „Woman“.

Im Jahr 2020,Snoop Dogg wollte der Go-Go-Szene Liebe zeigen. Der Rapper/Entertainer tat sich mit Go-Go-Musiklegenden zusammenSeltene Essenz , Thompsons Lieblingsband, um einen Joint zu gründen, der denjenigen, die vor Ort Schutz suchen, Auftrieb geben könnte. Die Rhythmen vermischten die Westküsten-Synthesizer mit der charakteristischen zerfetzten Percussion der DC-Metro, um die Insel-Grooves zu zelebrieren, die von Bands wie EU, Trouble Funk, Junkyard Band und Chuck Brown and the Soul Searchers populär gemacht wurden.

Isaiah Rashad über sein neues Album „The House Is Burning“, Sobriety & Returning to His Southern Roots