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Dec 09, 2023

Die Grammys

Fotos (LR, im Uhrzeigersinn): GAB Archive/Redferns, Ron Galella/Ron Galella

Fotos (von links nach rechts): GAB Archive/Redferns, Ron Galella/Ron Galella Collection über Getty Images, Kevin Winter/Getty Images, Chung Sung-Jun/Getty Images

Besonderheit

Tauchen Sie von den Supremes bis zu den Spice Girls tief in die Geschichte der Girlgroups ein – und wie ihre Lieder, Auftritte und Stimmgewalt die Popkultur veränderten.

Seit mehr als acht Jahrzehnten haben sich Girlgroups ihren Weg in das kollektive Bewusstsein geebnet, die Stärkung der Frauen in den Vordergrund gerückt – und dabei die Kultur verändert.

Natürlich gibt es Girlgroups in vielen Formen: Es gibt die familienfreundlichen Andrew Sisters, die Funk-Rock-inspirierten Labelle und die R&B-lastigen Destiny's Child. Mit der Weiterentwicklung des Konstrukts der Girlgroup hat sich auch ihr kultureller Einfluss weiterentwickelt – während Acts wie die Supremes dazu beigetragen haben, die Popmusik in Amerika in eine vielfältigere Richtung zu lenken, haben J-Pop- und K-Pop-Gruppen dazu beigetragen, dass Girlgroups weltweit wahrgenommen werden Objektiv in den letzten Jahren.

Was alle diese Gruppen verbindet, sind ihre ansteckenden und inspirierenden Aufzeichnungen, die Frauen dazu ermutigt haben, sich auszudrücken und sich dabei befähigt zu fühlen. Gruppen wie die Spice Girls und die Shangri-Las haben beispielsweise Frauen dabei geholfen, alle Seiten ihrer selbst zum Ausdruck zu bringen und die Welt daran zu erinnern, dass es einen Gegensatz zwischen Freude und Schönheit gibt.

Während sich der Women's History Month seinem Ende nähert, feiert GRAMMY.com alle mächtigen Frauen, die Teil der Entwicklung der Girlgroup waren. (Um das Feld einzugrenzen, charakterisieren wir eine Girlgroup als Acts mit mindestens drei Mitgliedern und einem Schwerpunkt auf Gesangsdarbietungen; daher werden Sie in dieser Liste keine Bands wie die Go-Gos oder die Chicks sehen.)

Werfen Sie unten einen Blick darauf, wie sich Girlgroups sowohl in ihrer Struktur als auch in ihrer Wirkung seit fast 90 Jahren – und noch mehr – verändert haben, und hören Sie sich die offizielle Girlgroups-Playlist von GRAMMY.com auf Amazon Music, Spotify, Apple Music und Pandora an.

Obwohl Frauen zweifellos seit Anbeginn der Zeit zusammen gesungen haben, entstand das formelle Konzept der Girlgroup irgendwann in den 20er oder 30er Jahren, als eng harmonierende Familiengruppen wie die Boswell Sisters und die Hamilton Sisters (die …) immer beliebter wurden letztere würden Three X Sisters werden). Zu Beginn des Zweiten Weltkriegs erlebten die Gruppen einen wirklichen Anstieg der Popularität – vielleicht, weil der Eintritt von mehr Frauen in die Arbeitswelt die Menschen für die Idee der Pop-Girlgroup öffnete, oder vielleicht, weil die Soldaten im Ausland Trost und leichte Aufregung suchten durch die sanften Klänge und das attraktive Aussehen der Gruppen.

Die Andrews Sisters, die 1937 offiziell als Boswell Sisters-Tribute-Act gegründet wurden, wurden mit Titeln wie „Boogie Woogie Bugle Boy“ und „Don't Sit Under The Apple Tree (With Those Else But) die beliebteste der Schwester-Acts Me)“ und „Beer Barrel Polka (Roll Out The Barrel)“ direkt an die Spitze der Charts. Sie gelten als eine der erfolgreichsten Girlgroups aller Zeiten und haben schätzungsweise 80 Millionen Platten verkauft, Tendenz steigend. Andere Mädchengruppen folgten dem Auftritt der Andrews, darunter die Dinning Sisters, die „They Just Chopped Down The Old Apple Tree“ als Antwort auf den Hit ihrer Rivalen veröffentlichten.

Die Andrews Sisters waren bis weit in die 50er Jahre hinein beliebt und inspirierten ähnliche Close-Harmony-Acts wie die Chordettes, die mit Titeln wie „Mr. Sandman“ und „Lollipop“ Erfolg hatten, und die Lennon Sisters, die zu einer tragenden Säule bei „The“ wurden Lawrence Welk Show.

Etwa in der Mitte des Jahrzehnts begannen Girlgroups, sich etwas stärker an der Doo-Wop-Bewegung zu orientieren, wobei Songs wie „Mr Lee“ von den Bobbettes den Weg für eine Welle rein schwarzer Girlgroups ebneten. Die Chantels, die gemeinsam im Chor gesungen hatten, folgten schnell mit „Maybe“, das den Stil des Genres mit einer Mischung aus Rock, Pop und Doo-Wop festigte, die für die kommenden Jahre als klangliche Vorlage dienen sollte.

Im Jahr 1961 hatten die Shirelles schnellen Erfolg mit Titeln wie „Tonight's The Night“ und „Will You Still Love Me Tomorrow“, die als erste Girlgroup-Aufnahme auf Platz 1 der Billboard Hot 100-Charts landeten. Die Gruppe hatte im Laufe des Jahrzehnts fünf weitere Hit-Singles und inspirierte Acts wie die Marvelettes, deren „Please Mr. Postman“ die erste Nr.-1-Single für Motown Records werden sollte.

Um an diesen Erfolg anzuknüpfen, investierte Motown viel in die Gründung weiterer Girlgroups und stellte Trios und Quartette aus verschiedenen Sängerinnen zusammen, die sie zuvor möglicherweise für Soloauftritte ins Auge gefasst oder gar nicht unter Vertrag genommen hatten. Aus dieser geschäftstüchtigen Gestaltung gingen Martha and the Vandellas, die Velvelettes und eine kleine Band namens Supremes hervor, die laut CNN zur erfolgreichsten amerikanischen Gesangsgruppe aller Zeiten werden sollte. Der Erfolg der Motown-Acts – von denen die meisten alle Schwarze waren – war auch ein Zeichen dafür, dass die amerikanische Kultur die Integration populärer Musik zunehmend akzeptierte.

Nachdem Motown den Erfolg bei der bewussten Gestaltung seiner Girlgroups gesehen hatte, versuchten andere Produzenten und kleine, unabhängige Labels, etwas von diesem Blitz für sich selbst einzufangen. Das Label Philles profitierte vom Sound der Crystals und Ronettes, während Jerry Lieber und Mike Stoller die Shangri-Las und die Dixie Cups bei ihrem Label Red Bird unter Vertrag nahmen. Tracks wie „Give Him A Great Big Kiss“ von den Shangri-Las boten eine überraschend reale Perspektive auf die Schwärmereien von Teenager-Mädchen, während „Leader Of The Pack“ dazu beitrug, eine weibliche Perspektive in ein Subgenre von Songs über makabre Teenager-Tragödien zu bringen, die zuvor von All-Stars dominiert wurden. männliche Acts wie Jan And Dean und Wayne Cochran And The CC Riders.

Labelle wurde in den 60er Jahren erstmals als Patti LaBelle and the Bluebelles gegründet und verdrängte das Genre aus dem Sock-Hop in den Nachtclub und wurde zu einer der führenden Girlgroups der 70er Jahre. Ihre funkigen, rockigen Singles waren anders als alles, was Girlgroup-Fans zuvor gehört hatten, und 1974 eroberte die Gruppe Amerikas Herz mit „Lady Marmalade“, einem leicht suggestiven Song, der aus den Diskotheken ins kollektive Bewusstsein gelangte. Andere Bands, die ursprünglich in den 60er Jahren gegründet wurden, hatten ähnlichen Erfolg, wie die Three Degrees, die eine Reihe von Hits hatten, darunter das sonnige und beruhigende „When Will I See You Again“.

Auch Sister Sledge nutzte den Disco-Boom und schuf bleibende Hits wie „We Are Family“ und „He’s The Greatest Dancer“. Die Pointer Sisters durchliefen zuvor einen Regenbogen von Genres, darunter R&B (1973 das funkige „Yes We Can Can“) und Country (1974 „Fairytale“, das 1975 einen GRAMMY für die beste Country-Performance eines Duos oder einer Gruppe mit Gesang gewann). Ihren größten Erfolg feierten sie zu Beginn des nächsten Jahrzehnts mit Titeln wie dem schwülen „Slow Hand“ und dem hektischeren „I'm So Excited“.

In den 80er-Jahren erlebten Girlgroups eine gewisse Flaute, als sich die Kultur in Richtung Hair Metal und Hip-Hop entwickelte. Einige Acts schafften dennoch den Durchbruch und eroberten die Herzen der Zuhörer mit tanzfreudigen Stücken voller lateinamerikanischem Freestyle-Flair. Voller Synthesizer und synkopierter Percussion brach Freestyle aus Clubs und Partys in New York und Philadelphia aus und fand vor allem beim hispanischen und italienisch-amerikanischen Publikum großen Anklang.

Miamis Exposé war einer der größten Freestyle-Acts des Jahrzehnts und vermischte Girlgroup-Harmonien mit synthetischen Klängen für Hits wie „Point Of No Return“ und „Seasons Change“. Zwei New Yorker Gruppen, Sweet Sensation und The Cover Girls, hatten Freestyle-Erfolge, die eine Brücke zwischen den 80er und 90er Jahren schlugen. „Never Let You Go“ von Sweet Sensation stürmte die Dance-Charts, und obwohl „Show Me“ und „Because Of You“ der Cover Girls nicht ganz so beliebt waren, haben sie immer noch einen besonderen Platz im Herzen der Freestyle-Fans.

In den 90er-Jahren erlebten Girlgroups einen großen Aufschwung, was zum Teil der Dringlichkeit des New Jack Swing und einem erneuten Interesse an den sanften Gesangsstilen des R&B zu verdanken war. En Vogue war eine der ersten Gruppen, die in den 90er-Jahren den Durchbruch schafften. Die Debütsingle „Hold On“ erreichte 1990 erstmals die Billboard-Charts. Ihre größten Tracks kamen später im Jahrzehnt, mit dem kraftvollen „Free Your Mind“ und „ „Giving Him Something He Can Feel“ zeigt die stimmliche Bandbreite und den Charakter des Quartetts.

Etwa zur gleichen Zeit wie En Vogue erlangten auch zwei Gruppen aus Atlanta Bekanntheit. Den Anfang machte das straßenaffine Quartett Xscape, das sich die Klänge von 1993 mit Titeln wie „Just Kickin‘ It“ zunutze machte.

TLC hatte einen dynamischeren Bogen und drang erstmals in das kollektive Bewusstsein mit dem neuen, von Jack Swing geprägten „Ooooooohh… On The TLC Tip“ ein, das drei Top-10-Singles enthielt, darunter „Ain't 2 Proud 2 Beg“. Die weiten Hosen und die Hip-Hop-Ästhetik der Gruppe sprengten die Grenzen der Girlgroup, zum Teil, weil ihre Mitglieder ihre sexuellen Wünsche tatsächlich anerkannten und auch das Bedürfnis, dass jeder sicheren Sex haben sollte. Später im Jahrzehnt erreichte TLC mit Titeln wie „Waterfalls“ und dem GRAMMY-prämierten „No Scrubs“, wobei letzteres tatsächlich von zwei Mitgliedern von Xscape gemeinsam geschrieben wurde, noch höhere Höhen.

Destiny's Child entstand Ende der 90er Jahre zunächst als Quartett in Houston, verlor jedoch später einige Mitglieder und gewann neue hinzu, so dass sie schließlich ein Trio bildeten. Während es schwer war, die schiere Starpower von Beyoncé zu ignorieren, funktionierten die drei im Allgemeinen als Gruppe und brachten eine Reihe tanzbarer Ohrwürmer hervor, darunter „No, No, No“ und „Bills, Bills, Bills“. Bis zu ihrer Auflösung im Jahr 2006 verkauften Destiny's Child zig Millionen Platten und erhielten drei GRAMMY Awards (und insgesamt neun Nominierungen).

Im Westen kanalisierten Chyna Phillips, Wendy Wilson und Carnie Wilson von Wilson Phillips die Klänge ihrer jeweiligen Eltern, die Mitglieder der Beach Boys und der Mamas & The Papas gewesen waren. Ihre Songs enthielten Gesangsharmonien und drehten sich hauptsächlich um emotionale Sehnsüchte und wandten sich gegen den Dance und Funk, der in den 90er-Jahren einen Großteil des Radiosenders beherrschte.

In den 90er-Jahren erlangten Girlgroups auch im Vereinigten Königreich großen Anklang, was etwa zur gleichen Zeit durch einen Boyband-Boom im Land beflügelt wurde. Zwei Gruppen – All Saints und die Spice Girls – wurden tatsächlich von Managern zusammengestellt, was jedoch nicht dazu beitrug, die Besorgnis der Kritiker zu zerstreuen, dass ein Großteil der damaligen Popmusik vollständig erfunden war. (Eine weitere tragende Säule des Vereinigten Königreichs, Irlands B*Witched, hat sich organisch zusammengefunden.)

Ungeachtet dessen hatten sowohl All Saints als auch die Spice Girls kommerziellen Erfolg, wobei letztere nicht nur wegen eingängiger Popsongs wie „Wannabe“, sondern auch wegen der einzigartigen Persönlichkeiten des Quintetts und der Stärke ihrer „Girl-Power“-Botschaft absolut riesig wurden. Die Spice Girls spielten sogar in ihrem eigenen Film „Spice World“, der 1997 auf dem Höhepunkt der Spice-Manie herauskam und sofort Vergleiche mit „A Hard Day’s Night“ der Beatles auf sich zog.

Zu Beginn der 2000er-Jahre dominierten weiterhin Girlgroups. Eine Reihe von Mädchengruppen der 2000er-Jahre bildeten sich im Rahmen von Reality-Programmen im Fernsehen, darunter die britische Sensation Girls Aloud in der ITV-Show „Popstars: The Rivals“ und Danity Kane, die sich beide über drei Staffeln von Sean Puffy Combs‘ „Making The Band“ gründeten und weiterentwickelten ." Das Fernsehen fungierte als großartige Startrampe für diese Pop-Acts, da die Fans durch das Ansehen der Show oft emotional in den Erfolg der Gruppe investiert waren und so schnell mit an Bord waren, als eine neue Single herauskam.

Girls Aloud und Danity Kane – sowie ihre Kollegen wie Dream, 3LW und Blacque – machten Popmusik, die sexy, selbstbewusst und überlebensgroß war, mit dazu passenden teuer aussehenden Musikvideos. Die Songs wechselten auch oft vom Pop zum Urban Radio.

Eine weitere der erfolgreichsten (und sexiesten) Girlgroups der 2000er Jahre entstand ebenfalls auf eher umständlichen Wegen. Die Pussycat Dolls hatten mit Titeln wie „Don't Cha“ und „Buttons“ Erfolg, doch der eigentliche Ursprung des Namens und der Marke Pussycat Dolls liegt fast 15 Jahre früher, als ein in LA ansässiger Choreograf namens Robin Antin eine Burlesque-Truppe gründete. Nachdem ihre Clubveranstaltungen und Tänzer immer beliebter wurden (sie posierten sogar für den Playboy), wurde sie von Jimmy Iovine von Interscope Records gedrängt, den Namen einer Popgruppe zuzuordnen.

Antin rekrutierte fünf Sängerinnen, die den Ton halten konnten und gut aussahen, darunter Nicole Scherzinger – die ursprünglich in Eden’s Crush, einer anderen Gruppe, die in einer TV-Show, der US-Version von „Popstars“, gegründet wurde, ihren Anfang nahm – und die Pussycat Dolls stolzierten schnell auf Radiosender und Billboard-Charts mit ihren eingängigen, mehrspurigen (und oft gewagten) Hits.

Auch Girlgroups erlebten in den 2000er-Jahren rund um den Globus großen Aufschwung: Las Ketchup aus Spanien produzierte das wahnsinnig eingängige Pop-Lied mit dem treffenden Namen „The Ketchup Song“, Play aus Schweden feierte kommerziellen Erfolg auf dem amerikanischen Markt und Atomic Kitten aus Großbritannien gründete sich reines Songwriting-Vehikel für Andy McCluskey und Stuart Kershaw von Orchestral Maneuvers In the Dark. Mitglieder der letzteren kamen und gingen im Laufe ihrer Karriere, aber Songs wie „Whole Again“ (das ebenfalls von Play aufgenommen wurde) haben den Test der Zeit bestanden.

Obwohl die moderne K-Pop-Kultur in Südkorea Ende der 90er-Jahre ihren Anfang nahm, nahm sie in den 2000er-Jahren richtig Fahrt auf, wobei sowohl Boybands als auch Girlgroups von der wachsenden Hallyu- oder koreanischen Welle profitierten. Eine davon, Wonder Girls, hatte in den späten 2000er-Jahren mit genreübergreifenden Titeln wie „Tell Me“ und „Nobody“ schnellen Erfolg, was zum Teil der Fähigkeit des Pop-Acts zu verdanken war, auf Tour mit ihnen englische Versionen ihrer Songs aufzuführen Jonas Brothers.

Zwei der größten Girlgroups der 2010er Jahre kamen ebenfalls aus im Fernsehen übertragenen Reality-Wettbewerbsshows. Little Mix, ein Quartett, wurde auf der britischen Sendung „The Meine Ex."

In den USA wurde Fifth Harmony bei „The X Factor“ geboren, wo alle fünf Mitglieder in der Staffel zuvor einzeln angetreten waren, aber nicht weiterkamen. Doch nachdem die Produzenten sie zurückgeholt hatten, um als Gruppe gegeneinander anzutreten, wurde „Fifth Harmony“ geboren. Die Zuschauer wählten den Namen und verhalfen ihnen schließlich zum dritten Platz im Wettbewerb.

Das Quintett ging aus der Show hervor, die als Juror bei Simon Cowells Plattenlabel Syco unter Vertrag stand, und begab sich wie so viele großartige Girlgroups zuvor auf eine Tour durch Einkaufszentren und Talkshows, bevor es schließlich eine Popplatte veröffentlichte, die sowohl von Hip-Hop als auch von R&B geprägt war. Fans waren begeistert von Songs wie „I'm In Love With A Monster“ und „Work From Home“, dem Monsterhit mit Fallen, der seit seiner Veröffentlichung Milliarden von Hits auf YouTube einheimste.

Die K-Pop-Welle setzte sich auch in den 2010er-Jahren fort, mit Gruppen wie Girls Generation und Twice, die beide mit acht bzw. neun Mitgliedern den Rahmen einer traditionellen Girlgroup sprengten. Zur gleichen Zeit erlangte die J-Pop-Band AKB48 große Popularität, mit einer Struktur, die Girlgroups noch nie zuvor gesehen hatten – sie hat insgesamt 80 Mitglieder, wobei die Gruppe in verschiedene „Teams“ aufgeteilt ist, in die die Mitglieder gewählt werden von begeisterten Fans. Alle drei Acts waren buchstäblich und im übertragenen Sinne riesig und verkauften zig Millionen hochproduzierter Bubblegum-Pop-LPs und überlebensgroßer Dance-Singles.

Der Erfolg von K-Pop-Girlgroups erreichte ein neues Niveau, als BLACKPINK 2016 die Szene betrat und sich gründete, nachdem ihre Mitglieder einer Girlgroup-Akademie beitraten und eine Art Girlgroup-Bootcamp absolvierten. Das Ergebnis ist eine fein abgestimmte Musikmaschine, die einen Pop-Hit nach dem anderen produziert – darunter „Boombayah“ und „DDU DU DDU DU“ – sowie Musikvideos, die online milliardenfach angeschaut wurden.

Angespornt durch die Hingabe ihrer Fans (bekannt als die BLINKs) ist es BLACKPINK auch gelungen, eine beeindruckende Liste an Auszeichnungen zu ergattern. Sie waren der erste asiatische Act, der als Headliner bei Coachella auftrat, die ersten weiblichen K-Pop-Künstlerinnen auf dem Cover von Billboard und haben die meisten Abonnenten aller Musik-Acts auf YouTube. Aber sie sind nicht der einzige weibliche K-Pop-Act, der Girlgroups hilft, am Leben zu bleiben: Gruppen wie Mamamoo und Red Velvet veröffentlichten in den 2010er Jahren einen Hit nach dem anderen, und 2NE1 eroberte überall Herzen mit Tracks wie „Lonely“ und „I Am The Best“. " Im Jahr 2012 begab sich 2NE1 auf die von vielen als erste Welttournee einer K-Pop-Girlgroup angesehene Welttournee, die 11 Städte in sieben Ländern besuchte.

Flo ist eine britische Girlgroup, deren Mitglieder sich aus ihren individuellen Kulturen schöpfen, um einen einzigartigen, Hip-Hop-beeinflussten Sound zu kreieren. Flo wurde auch von Künstlern wie Ciara und Amy Winehouse beeinflusst. Obwohl sie erst seit ein paar Jahren zusammen sind, wurde ihr einzigartiger Retro-Sound in Großbritannien fast sofort populär, wobei ihre Debütsingle „Cardboard Box“ innerhalb weniger Tage nach ihrer Veröffentlichung Anfang 2022 fast eine Million Aufrufe auf YouTube verzeichnete. Ein weiterer Hit Es folgten Singles wie „Immature“ und „Summertime“.

Eine weitere durch und durch moderne Mädchengruppe, Boys World, wurde gegründet, nachdem Manager online Videos von fünf verschiedenen singenden Frauen gefunden und sie dann kontaktiert hatten, um zu sehen, ob sie sich zusammentun wollten. Sie sagten ja, eröffneten ein TikTok-Konto und zogen gemeinsam in ein Haus in Los Angeles. Ihr reiner Online-Ansatz, eine Girlgroup zu werden, hat das Publikum ebenso in seinen Bann gezogen wie ihre kraftvollen Hymnen.

Auch die K-Pop-Welle hat weiter zugenommen, wobei BLACKPINK im Jahr 2023 als Headliner bei Coachella auftritt und die schnell aufstrebenden NewJeans sich die Auszeichnung verdienen, der allererste weibliche koreanische Act zu sein, der später in diesem Sommer Lollapalooza spielt. Wie so viele Girlgroups vor ihnen sprengen beide Acts weiterhin Grenzen und beeinflussen die Kultur insgesamt, was beweist, dass das Genre so wichtig ist wie eh und je.

Auch wenn es sie vielleicht nicht mehr so ​​zahlreich gibt wie in den vergangenen Jahrzehnten, ist die Girlgroup-Bewegung sicherlich noch nicht zum Stillstand gekommen. Und da die Vielfalt an Frauen immer noch das Publikum rund um den Globus in ihren Bann zieht, werden Girlgroups Ihr Leben wahrscheinlich noch viele Jahre lang aufpeppen.

Hören Sie sich die Playlist „Women's History Month 2023“ von GRAMMY.com an: Schwimmen Sie im göttlichen Femininen mit diesen 40 Songs von Rihanna, SZA, Miley Cyrus, BLACKPINK und mehr

Foto: Ron Galella/Ron Galella Collection über Getty Images

Liste

Der neueste Dokumentarfilm von A&E/Lifetime, „TLC Forever“, zeigt nie zuvor gesehenes Filmmaterial und unerzählte Geschichten über das ikonische Erbe der Gruppe, von ihren Schwierigkeiten bis zu ihren Triumphen.

Als sich Tionne „T-Boz“ Watkins, Lisa „Left-Eye“ Lopes und Rozanda „Chilli“ Thomas als TLC zusammenschlossen, veränderte sich die Landschaft der Girlgroups für immer.

Während ihres aufregenden Laufs brach TLC Rekorde, setzte neue Stiltrends und beleuchtete wichtige Themen wie HIV/AIDS und das Körperbild. Ihr einzigartiger Sound und ihre Risikobereitschaft trugen dazu bei, ihren Status als eine der meistverkauften Frauengruppen aller Zeiten zu festigen. Und jetzt wird ihr Vermächtnis im Film verewigt.

TLC Forever, ein neuer Dokumentarfilm, der am 3. Juni auf A&E/Lifetime Premiere feiert, taucht in die drastischen Höhen und Tiefen der 30-jährigen Karriere des Trios ein. Neben ihren vielen unglaublichen Erfolgen gab es auch viele Kämpfe, darunter Insolvenzen, Schlagzeilen machende Schlägereien und Tragödien. Wie Watkins bei den GRAMMYs 1996 scherzhaft erklärte: „TLC wird dieses Geschäft in vielerlei Hinsicht in Erinnerung behalten.“

Der fast 120-minütige Film folgt dem legendären Musiktrio von seiner ersten Begegnung bis zu Lopes' frühem Tod im Jahr 2002 und begleitet Watkins und Thomas bei ihren Vorbereitungen für einen Auftritt beim Glastonbury Festival 2022. Für die Fans wird es etwas ganz Besonderes sein, da der Dokumentarfilm sieht, wie Watkins und Thomas sich die seltenen Aufnahmen mit dem langjährigen Manager Bill Diggins in Echtzeit ansehen.

Egal, ob Sie mit der Geschichte von TLC vertraut sind oder mehr erfahren möchten: „TLC Forever“ ist einen Blick wert. Werfen Sie im Folgenden einen Blick auf fünf wichtige Erkenntnisse aus der Dokumentation.

Im Frühjahr 1994 – nur fünf Monate bevor der TLC-Bestseller „CrazySexyCool“ erschien – sinnte Lopes auf Rache an ihrem damaligen Freund, dem ehemaligen Wide Receiver der Atlanta Falcons, Andre Rison. Nachdem sie ihn angeblich beim Schummeln erwischt hatte, zündete Lopes ein Paar seiner Turnschuhe in einer Badewanne in seinem zweistöckigen Herrenhaus an, was sich anschließend auf den Rest des Hauses ausbreitete.

Die damals 23-jährige Rapperin wurde wegen Brandstiftung angeklagt, mit einer fünfjährigen Bewährungsstrafe und einer Geldstrafe von 10.000 US-Dollar belegt und konnte ihren durch den Vorfall entstandenen Ruf als „Verrückte“ nie ganz loswerden. TLC Forever deckt jedoch Details auf, die ihren Handlungen mehr Kontext verleihen.

In der Dokumentation beschreibt Thomas die Beziehung zwischen Lopes und Rison als „giftig“, bevor er hinzufügt, dass „es immer etwas los war“. Monate nachdem sie sich kennengelernt hatten, gerieten Lopes und Rison auf einem Lebensmittelparkplatz in einen heftigen Streit, bei dem Rison sie angeblich angriff und einen Warnschuss abfeuerte, um Umstehende davon abzuhalten, sich einzumischen.

„Sie tat mir so leid, denn als ich das Zimmer betrat, erinnere ich mich nur an ihren Gesichtsausdruck“, sagt Watkins im Film und bezieht sich auf den Hausbrand. „Ihre Nägel waren abgebrochen, sie war zerkratzt, hatte blaue Flecken und blutete, und die ganze Welt schaute sie an und fragte: ‚Was hast du getan?‘ Und alle reagierten nicht so, wie sie hätten antworten sollen.

Wie viele Fans wissen, hatte Lopes gegen die Lead-Single „Creep“ von CrazySexyCool protestiert, weil deren Texte Untreue propagierten (insbesondere angesichts der anhaltenden AIDS-Epidemie, die im selben Jahr allein in den USA fast 42.000 Todesopfer forderte). Außerdem verstieß der Chartstürmer gegen das, wofür TLC bekannt war: das Tragen von Kondomen auf weiten Klamotten als Zeichen für sicheren Sex.

Obwohl das Lied tatsächlich von Watkins‘ eigenen Beziehungsproblemen inspiriert war, befürchtete Lopes, dass Rison glauben würde, sie würde ihn betrügen, was möglicherweise zu weiteren angeblichen Misshandlungen in ihrer turbulenten Beziehung führen würde. Deshalb schrieb sie für den Remix einen Vers, der die Zuhörer vor den Folgen des Kriechens warnte: „Creepin‘ kann hysterisches Verhalten im Kopf hervorrufen. Bringen Sie Ihr Leben rechtzeitig in Bedrängnis. Machen Sie Sie zum Opfer eines leidenschaftlichen Verbrechens“, rappt sie .

Zu Beginn von Thomas‘ langjähriger Romanze mit dem LaFace-Produzenten Dallas Austin wurde sie vor dem Debütalbum des Trios, Ooooooohhh... On the TLC Tip, schwanger, was ihre Zukunft mit der Gruppe gefährdete. Ohne große Unterstützung aus Austin und aus Angst, dass der damalige Manager Perri „Pebbles“ Reid davon erfahren würde, ließ Thomas im Alter von 20 Jahren widerstrebend eine Abtreibung vornehmen, was er in der Dokumentation als „schreckliche Erfahrung“ bezeichnete.

„Danach erlebte ich wahrscheinlich eine Art Zusammenbruch. Ich konnte es mir nicht verzeihen“, sagt sie. „Ich fühlte einfach diese enorme Schuld für das, was ich getan hatte, und diese Schuldgefühle, mit denen nicht richtig umgegangen wurde, waren der Grund, warum ich mich noch mehr an Dallas klammerte.“

Im Jahr 1997 bekamen Thomas und Austin einen Sohn namens Tron, der für den Sänger in vielerlei Hinsicht als Abschluss fungierte. „Nachdem ich Tron hatte, hat es die Beziehung, die ich zu Dallas hatte, wirklich ins rechte Licht gerückt. Es war klar, dass das keine funktionierende, gesunde und liebevolle Beziehung war“, gibt sie zu. Ein paar Jahre später gingen sie getrennte Wege, arbeiteten immer noch kreativ zusammen und kümmerten sich um die gemeinsame Erziehung ihres Sohnes, der jetzt 26 Jahre alt ist.

Mehr lesen:Die Entwicklung der Girlgroup: Wie TLC, BLACKPINK, The Shirelles und mehr den weiblichen Ausdruck gesteigert haben

Obwohl CrazySexyCool weltweit 15 Millionen Exemplare verkaufte, zwei Nr.-1-Hits in den Billboard Hot 100 hervorbrachte und zwei GRAMMYs gewann, meldete TLC 1995 Insolvenz an, bevor sie eine fünfjährige Pause einlegte, die durch Spannungen innerhalb der Gruppe verlängert wurde. In den Monaten vor TLCs drittem Studioprojekt, FanMail – dessen Titel von Lopes geprägt und den Fans gewidmet wurde – brachte Lopes ihre Unzufriedenheit mit dem Projekt zum Ausdruck, nachdem eine Handvoll ihrer Songs von Dallas Austin abgelehnt wurden.

„Ich kann nicht hundertprozentig hinter diesem TLC-Projekt und der Musik stehen, die mich repräsentieren soll“, sagte Lopes 1999 in einem Interview mit Vibe, was Gerüchte über eine Trennung anheizte. „Dies wird mein letztes Interview sein, bis ich frei über die Wahrheit sprechen und mich in meinem Soloprojekt vorstellen kann.“

Etwa zur gleichen Zeit forderte Lopes Watkins und Thomas auf, Soloalben aufzunehmen, und setzte einen Preis von 1,5 Millionen US-Dollar für das Mitglied aus, das die meisten Exemplare verkaufte. Lopes‘ Raps sind nur auf drei der 17 Tracks von FanMail zu hören – und obwohl ein Großteil ihrer Abwesenheit sicherlich auf interne Konflikte zurückzuführen war, bestätigten Watkins und Thomas, dass Lopes‘ kreative Position „einfach nicht mit dem übereinstimmte“, was Austin produzierte. Zum Zeitpunkt von Lopes‘ Tod befand sie sich auf einem 30-tägigen spirituellen Retreat in Honduras, von dem Teile aufgezeichnet und 2007 als posthume Dokumentation „The Last Days of Left Eye“ veröffentlicht wurden.

Im Jahr 2006 kämpfte Watkins privat gegen ein Akustikusneurinom, einen potenziell tödlichen Gehirntumor, der ihre Gesichts-, Hör- und Gleichgewichtsnerven beeinträchtigte. Die damals 36-Jährige unterzog sich einer Operation zur Entfernung des Tumors, ein Risiko, das durch die seit ihrer Kindheit anhaltenden Komplikationen aufgrund der Sichelzellenanämie noch verschärft wurde.

„[Der Arzt] sagte, für den Fall, dass etwas schief geht und ich Ihr Gehör, Ihr Gesicht oder Ihr Gleichgewicht nicht retten kann, geben Sie mir den Befehl, dass Sie sich selbst retten wollen“, sagte sie im Dokument. „In dieser Branche geht es um Ihr Gesicht, Ihre Stimme, Ihr Tanzen – das ist mein ganzer Job. Also haben sie mir das Gleichgewicht genommen, ich habe mein Gesicht größtenteils bewahrt, [und] ich habe dabei nur drei Prozent [meines Gehörs] verloren.“ Zeit."

Watkins fügte hinzu, dass sie sich nach der Operation viele Jahre lang deprimiert und unattraktiv fühlte, bis ihre Mutter ihre Sichtweise änderte. „Ich erinnere mich, wie ich eines Tages in den Spiegel schaute und anfing zu weinen, und meine Mutter sagte ‚Nein‘.“ Sie sagte: „Schau, das ist nur deine Reise zurück zur Normalität. So wirst du nicht bleiben, so wirst du nicht sein. Das ist nur deine Reise zurück zu dem, wo du angefangen hast“, erinnert sie sich . „Ich sagte: ‚Ja, okay, wenn ich das so sehe, dann muss ich das nur überleben und durchstehen, dann kann ich cool bleiben. Und dann beginnt der Kampf, dass ich lebe, ich bin.‘ Ich werde das überleben, ich werde das schlagen.

Mit 53 Jahren ist Watkins immer noch stark. Der Film gibt den Zuschauern jedoch einen tieferen Einblick, wie viel Vorbereitung erforderlich ist, damit sie auftreten kann, ohne ihre Gesundheit zu gefährden. Vor und nach dem Betreten der Bühne muss Watkins ausreichend Flüssigkeit und Sauerstoff erhalten, um die Entzündung auf ein Minimum zu beschränken.

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Watkins und Thomas sprechen über den enormen Druck, dem sie seitens ihres Labels ausgesetzt waren, ohne Lopes voranzukommen, die auf tragische Weise im Alter von 30 Jahren bei einem Autounfall während ihrer Honduras-Reise ums Leben kam. „Nachdem Lisa gestorben war, sagte die Plattenfirma, sie würden ein Greatest-Hits-Album herausbringen, wenn wir [3D] nicht fertigstellen würden, also fühlten wir uns irgendwie gezwungen, wieder ins Studio zu gehen“, sagte Watkins in TLC Forever. „Uns wurde ein Ultimatum gestellt.“ Thomas fügte hinzu: „Wir hatten einen Tunnelblick, lasst es uns einfach zu Ende bringen.“

Obwohl 3D mit Platin ausgezeichnet wurde, wurde es nach TLC-Standards als kommerzieller Misserfolg angesehen. Es verkaufte sich weniger als 700.000 Mal und die Lead-Single „Girl Talk“ erreichte Platz 28 der Hot 100. Nach ihrem ersten Live-Auftritt ohne Lopes beim Z100-Jahrbuch Beim Zootopia-Konzert im Jahr 2003 schien die Musikindustrie sie abgeschrieben zu haben – aber Thomas sagte, sie habe nie das Gefühl gehabt, dass es wirklich vorbei sei. Erst bei ihrem VH1 Super Bowl Blitz-Konzert im Jahr 2014 begannen die Veranstalter, sich zu melden, was schließlich zum größten Auftritt ihrer außergewöhnlichen Karriere führte: dem Auftritt auf der Bühne in Glastonbury im letzten Jahr.

„Die größte Belohnung ist, wenn man den Nummer-1-Song nicht mehr hat und seine Touren ausverkauft sein können“, sagt Thomas am Ende des Films. „Das bedeutet, dass Sie über ein großartiges Werk verfügen, das den Test der Zeit bestehen kann, und die Zeit hat uns gezeigt, dass wir es gut gemacht haben. Wir haben es gut gemacht.“

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Foto: Rob Verhorst/Redferns

Besonderheit

Während ihrer acht GRAMMY-Gewinner und 25 Nominierungen erwies sich Tina Turners umfangreiches und generationsübergreifendes musikalisches Schaffen gleichermaßen unterhaltsam und inspirierend. Die Bold Soul Sister starb am 24. Mai in ihrem Haus in der Nähe von Zürich, Schweiz. Sie war 83.

Die Königin des Rock 'n' Roll, Plattenlegende, Ikone der Selbstbestimmung. Egal wie man sich auf Tina Turner bezieht, ihr Tod stellt einen seismischen Verlust dar, der das Ende eines glänzenden kulturellen Erbes markiert, das eine branchenprägende Karriere hinterlässt. Während ihrer acht GRAMMY-Gewinner und 25 Nominierungen erwies sich Turners umfangreiches und generationsübergreifendes musikalisches Schaffen gleichermaßen unterhaltsam und inspirierend.

Die Ikone starb am 24. Mai in ihrem Haus in der Nähe von Zürich, Schweiz. Sie war 83.

„Tina Turner hat im Laufe ihrer unglaublichen Karriere Barrieren für Frauen auf und neben der Bühne durchbrochen“, sagte Harvey Mason jr, CEO von The Recording Academy, über Turner, der 2018 den GRAMMY Lifetime Achievement Award erhielt und dreimal in die GRAMMY Hall aufgenommen wurde des Ruhmes. „Sie begeisterte das Publikum auf der ganzen Welt mit ihren elektrisierenden Auftritten, unter anderem auf unserer GRAMMY-Bühne 1985 und 2008, und war ein unbestreitbarer Rockstar, der mit ihrem charakteristischen Stil und ihrem kraftvollen Gesang so vielen den Weg ebnete. Sie wird allen Menschen, die sie vermissen, sehr fehlen.“ rund um den Globus berührt.“

Es ist eine Meinung, die von der Musikindustrie und der ganzen Welt geteilt wird. „Sie war wirklich eine enorm talentierte Performerin und Sängerin“, schrieb Mick Jagger in den sozialen Medien. „Sie war inspirierend, warmherzig, lustig und großzügig. Sie hat mir in meiner Jugend sehr geholfen und ich werde sie nie vergessen.“ Auf ihrer Website würdigte Beyoncé, die mit Turner bei den 50. GRAMMY Awards auftrat, ihre „geliebte Königin“ und schrieb: „Ich liebe dich unendlich. Ich bin so dankbar für deine Inspiration und all die Wege, die du mir den Weg geebnet hast.“ Du bist Stärke und Widerstandskraft. Du bist der Inbegriff von Kraft und Leidenschaft.“ Elton John brachte es auf den Punkt: „Wir haben einen der aufregendsten und elektrisierendsten Künstler der Welt verloren“, schrieb er. „Sie war unantastbar.“

Turners unantastbares Talent verkörperte bekanntermaßen zwei Phasen. Erstens ihre turbulente Zusammenarbeit mit Ehemann Ike Turner, bei der sie als Duo auftraten und Hits hervorbrachten, darunter das oft gecoverte „Proud Mary“. Der sofort wiedererkennbare Song brachte dem Paar 1972 einen GRAMMY Award für die beste R&B-Gesangsdarbietung einer Gruppe ein und wurde 2003 in die GRAMMY Hall of Fame aufgenommen. In ihrem triumphalen zweiten Akt löste sich Turner von der Partnerschaft. Sie erfand sich als Solokünstlerin neu und wandelte sich in den 1980er Jahren auf unwahrscheinliche Weise von einer Rockerin der 60er und 70er Jahre zum Arena-Popstar.

Für ihre Bemühungen gewann die Sängerin bei den GRAMMY Awards 1985 die Hauptkategorien und gewann die Auszeichnungen „Schallplatte des Jahres“, „Song des Jahres“ und „Beste weibliche Pop-Gesangsdarbietung“ für „What's Love Got To Do With It“. Für „Better Be Good To Me“ nahm sie außerdem das Goldene Grammophon für die beste weibliche Rockgesangsdarbietung mit nach Hause.

In einem ihrer unauslöschlichsten Hits nutzte Turner „What's Love Got To Do With It“ als Aufruf zum Handeln und wurde dabei brutal ehrlich über ihre missbräuchliche Beziehung zu ihrem Ex-Mann. Turner erinnerte sich später gegenüber dem Rolling Stone daran, dass ich, als sie Ike im Juli 1976 verließ, „nichts hatte Geld. Ich wusste nicht, wie man so etwas macht. Später erfand sie etwas, das als eines der größten Comebacks der Musikgeschichte gilt.

Zuerst wurde es Donna Summer angeboten, die sich auf dem Track befand, bevor sie schließlich verstarb. Später enthüllte die Songwriterin Terry Britten, dass sie „What's Love Got to Do With It“ für „schrecklich“ hielt. Auch Turner gefiel das Lied nicht, sie nahm es aber auf Anregung ihres Managers Roger Davis auf.

„Ich sagte: ‚Wenn es nicht klappt, werden wir es nicht verwenden. Also lasst es uns versuchen‘“, erinnert sich Britten in ihrem Dokumentarfilm „Tina“ aus dem Jahr 2021. Erst als Turner ihren Gesangstitel einspielte, wurde der Song von einem Pop-Konfekt zu einem Schaufenster für die Gesangskraft. „Sie waren es nicht gewohnt, dass eine starke Stimme über der Musik steht“, sagte Turner in der Dokumentation. „Aber ich habe es umgewandelt und mir zu eigen gemacht.“

Turners geschickte musikalische Umsetzung ist in ihrer vielseitigen Diskographie offensichtlich, vom Blues-Rock, den sie als Ike & Tina Turner aufführte, bis hin zu Pop-Hymnen wie „The Best“ aus dem Jahr 1989 (das zum Markenzeichen und natürlich zum Titel eines beliebten größten Hits wurde). Album). 1962 wurde sie für ihren ersten GRAMMY Award für die beste Rock'n'Roll-Aufnahme für „It's Gonna Work Out Fine“ nominiert, ihren und Ikes Hit aus dem Vorjahr, der ihnen angeboten wurde, nachdem die Songwriterin Rose Marie McCoy ihre energiegeladene Bühnenshow gesehen hatte der Apollo.

Es war ein vielversprechender früher Erfolg für Turner, der zu einem festen Bestandteil der Kategorie „Beste Rock-Gesangsdarbietung, weiblich“ werden sollte. Jahrzehnte später errang sie 1986 und 1987 zwei aufeinanderfolgende Siege in der Kategorie „One of the Living“ und „Back Where We Started“, 1988 eine Nominierung für „Better Be Good To Me“ und nahm den Preis mit nach Hause unter anderem das goldene Grammophon im Jahr 1989 für Tina Live in Europa.

„Meine Lieder sind ein kleiner Ausschnitt aus dem Leben aller, die mich beobachten“, sagte Turner dem Rolling Stone, mitten in ihrer heißen Phase im Jahr 1986. „Man muss singen, womit sie sich identifizieren können. Und da draußen gibt es einige schlüpfrige Leute. Die.“ Die Welt ist nicht perfekt. Und das alles liegt in meiner Leistung; ich spiele damit.“

Als Anna Mae Bullock geboren, begann Turners Weg zum musikalischen Dynamo auf dem Ackerland von Tennessee, wo sie schon früh ihre Leidenschaft für künstlerischen Ausdruck entdeckte. „Als Mädchen ging ich bei jeder Gelegenheit in unser örtliches Kino und prägte mir Szenen ein, damit ich sie nachspielen konnte“, erinnerte sie sich 2021 im Harvard Business Review. „Obwohl ich in der High School eine gewisse Gesangsausbildung hatte und sogar etwas Oper lernte, waren meine Stimm- und Tanzfähigkeiten für mich größtenteils selbstverständlich.“

Ihr stimmliches Können und ihre unnachahmliche Energie als Künstlerin kamen ihr ganzes Leben lang hinter dem Mikrofon zur Geltung, eines der denkwürdigsten Beispiele ist „River Deep-Mountain High“. Ihr Duett mit Ike, das 1999 in die GRAMMY Hall of Fame aufgenommen wurde, wurde von Phil Spector produziert, der laut Turner ihre Vocals bis zum Überdruss zu spektakulären Ergebnissen reduzieren ließ. „Das muss ich 500.000 Mal gesungen haben“, sagte sie dem Rolling Stone, nachdem die Veröffentlichung den Titel auf Platz 33 ihrer Liste der 500 besten Songs aller Zeiten gesetzt hatte. „Ich war schweißgebadet. Ich musste mein Hemd ausziehen und im BH dastehen, um zu singen.“

Nach ihrem Tod nannte die New York Times sie „eine magnetische Sängerin mit explosiver Kraft“. Diese Kraft war auf und neben der Bühne sichtbar, sowohl in ihrer Kunstfertigkeit als auch in ihrer Fähigkeit, angesichts der zahlreichen Hindernisse weiterzumachen. In einem Interview mit Oprah Winfrey aus dem Jahr 2005 erklärte Turner: „Es gibt einen Ausdruck: ‚Du wirst diese Welt nie lebend verlassen.‘ Es ist wahr. Das werden wir nicht. Machen Sie weiter. Geben Sie Ihr Bestes mit Ihrem Make-up, Ihren Haaren und Ihrer Kleidung.

Im selben Interview dachte Turner auch über ihr Vermächtnis nach und ging auf die Inspiration ein, die sie durch ihr authentisches Selbst vermittelte. „Mein Wunsch ist es, den Menschen die Art von Wahrheit zu vermitteln, die ihnen hilft, ihre Meinung zu ändern. Wenn das passiert, werde ich mein Bestes geben.“

10 unverzichtbare Tina-Turner-Stücke aus den 70ern: Wie ihre vergessene Ära die Bühne für ein dramatisches Debüt als Solokünstlerin bereitete

Foto: M. Caulfield/WireImage für VH-1 Channel – New York

Liste

Ob „Tears of a Clown“ oder „Tears in the Club“, hören Sie sich einige der hinterhältig traurigsten Songs von Outkast, TLC, Avicii und anderen an.

Im Jahr 2003 landeten OutKast mit „Hey Ya!“ ihren zweiten Nr.-1-Hit. Der zeitlose Titel hat eine optimistische Energie, die einen dazu bringt, ihn wie ein Polaroidbild zu schütteln – bis einem zufällig der eher unglückliche Text ins Auge fällt.

„Sind wir so verleugnt, wenn wir wissen, dass wir hier nicht glücklich sind?“ André 3000 singt die zweite Strophe. Die folgende Zeile könnte seinen kontrastierenden Charakter auf den Punkt bringen: „Ihr wollt mich nicht hören, ihr wollt nur tanzen.“

Die Fähigkeit, den Zuhörern das Gefühl zu geben (und körperlich darauf zu reagieren), ist Teil der Genialität des Songwritings. Melodien wie „Hey Ya!“ – eine traurige Erzählung, getarnt durch eine ansteckende Melodie – ist ein Trick, den Outkast, REM, Smokey Robinson, Robyn und viele mehr beherrschen.

Wenn Sie schon einmal fröhlich zu einem Beat geboogelt haben, bevor Sie gemerkt haben, dass der Liedtext oben in Wirklichkeit eine große Enttäuschung ist, sind Sie mit Sicherheit nicht allein. BBC und Apple Music nennen solche Titel beide „Sad Bangers“, ein passender Name für das, was im letzten halben Jahrhundert zu einem inoffiziellen Genre geworden ist.

Anlässlich des Mental Health Awareness Month im Mai hat GRAMMY.com eine Liste mit 15 Songs zusammengestellt, die Sie sowohl in Ihre Gefühle versetzen als auch Ihren Körper in Bewegung bringen.

Die fröhliche Musik zu diesem Motown-Klassiker wurde von Stevie Wonder geschrieben, einem 25-fachen GRAMMY-Gewinner, der es versteht, tränenreiche Stücke zu erschaffen, die Ihren Körper zum fröhlichen Tanzen anregen. Das Lied mit der Fagottunterseite hat 128 Schläge pro Minute, ein Tempo, das von Produzenten moderner Tanzmusik immer noch bevorzugt wird. Wenn Smokey also „The Tears of a Clown/When There’s No One Around“ singt, ist es verzeihlich, dass einem auch ein bisschen die Seele baumelt, während man in Stimmung ist.

Gloria Gaynor hat den Pop-Hit „Never Can Say Goodbye“ der Jackson 5 aus dem Jahr 1971 für die Disco-Ära neu interpretiert. Die schwungvollen Streicherarrangements und der trabende Beat trugen dazu bei, die Tanzflächen zu füllen und das ergreifende Lied über das Festhalten an der eigenen Liebe zu erschaffen. Auch andere Coverversionen von Isaac Hayes and the Communards fangen die widersprüchliche Stimmung ein.

Das britische Duo Tears For Fears wurde international bekannt, nachdem es seinen ersten tanzbaren Hit mit einem deprimierenden und dramatischen Refrain ausstattete, der auch 40 Jahre nach seiner Veröffentlichung schwer zu erschüttern ist: „Ich finde es irgendwie lustig, ich finde es irgendwie traurig, die Träume, in denen ich“ „Ich sterbe, sind die besten, die ich je hatte.“ Später veröffentlichten Roland Orzabal und Curt Smith aufmunterndere Stücke wie „Everybody Wants to Rule The World“ und „Sowing the Seeds of Love“.

Kate Bush hat sich mit „Running Up That Hill“ dreimal in den Charts auf der ganzen Welt herumgewirbelt, beginnend mit der Veröffentlichung im Jahr 1985 und dann als unwahrscheinlicher Abschlusssong der Olympischen Sommerspiele im Jahr 2012.

„Und wenn ich nur könnte, würde ich einen Deal mit Gott machen/Und ich würde ihn dazu bringen, unsere Plätze zu tauschen/Diese Straße hochlaufen/diesen Hügel hinauflaufen/Ohne Probleme“, singt sie im Refrain von die Rennstrecke und sehnt sich danach, sorgenfreier zu sein.

Kürzlich bescherte eine Platzierung im Netflix-Drama „Stranger Things“ im Jahr 2022 der weinerlichen, in Moll-Tonart geführten Tanznummer eine ganz neue Generation von Fans. Der englische Künstler wurde kürzlich in die Rock & Roll Hall of Fame 2023 aufgenommen.

Peter Garrett, Leadsänger von Midnight Oil, kanalisierte in „Beds Are Burning“ die Wut, die er über den frühen Klimawandel und den Mangel an Landrechten der Aborigines im australischen Outback verspürte. Der kraftvolle Tanzsong überschwemmte Ende der 80er Jahre Radiowellen und Tanzflächen auf der ganzen Welt und erreichte Platz 17 der Billboard Hot 100-Charts.

„Wie können wir tanzen, wenn sich die Erde dreht?“ er singt im mitreißenden Refrain. „Wie schlafen wir, während die Betten brennen?“

Garrett hatte eindeutig eine persönliche Verbindung zur sehnsüchtigen Botschaft des Liedes: Später widmete er sein Leben dem Umweltaktivismus als Leiter der Australian Conservation Foundation und wurde gewähltes Mitglied des australischen Repräsentantenhauses.

„Gypsy Woman (She's Homeless)“, ein House-Hit über eine Frau ohne Zuhause, verhalf der New Jersey-Sängerin Crystal Waters trotz eines etwas düsteren Themas zu internationalem Erfolg. Eine anschließende Parodie auf die Sketch-Comedy-Serie „In Living Color“ machte auf den Kontrast zwischen fröhlicher und fröhlicher Instrumentierung und entmutigenden Texten aufmerksam.

„Sie ist genau wie du und ich/Aber sie ist obdachlos, sie ist obdachlos“, klingelt der Refrain. „Wie sie da steht und für Geld singt/La da dee la dee da…“

Diese fröhliche Zusammenarbeit entsteht zwischen der Rockgruppe REM und der Sängerin von B-52, Kate Pierson. Der klirrende Gitarrenpop weckt den Wunsch, in die Hände zu klatschen und mit den Füßen zu stampfen, aber der Text lässt einen fragen, ob tatsächlich alles so glänzend und fröhlich ist.

Gerüchten zufolge handelt das Lied vom Massaker auf dem Platz des Himmlischen Friedens in China, da auf Propagandaplakaten der Satz „Shiny Happy People“ zu lesen war. Da ist sich Pierson allerdings nicht so sicher.

„Ich kann mir nicht vorstellen, dass REM damals dachte: Oh, wir wollen, dass es in diesem Lied um Propaganda der chinesischen Regierung geht“, sagte sie 2021 in einem Interview mit Vulture. „Es sollte glänzend und fröhlich sein. Es war rundum positiv.“

Dank des mitsingenden Refrains und der funkigen Basslinie war „Waterfalls“ 1994 für TLC ein weltweiter Hit. Der eindringliche Schwung des Liedes mildert eine klare lyrische Warnung, die die Leute von der Grenze zurückzieht: „Don't go chasing wasserfälle/Bitte bleib bei den Flüssen und Seen, an die du gewöhnt bist/Ich weiß, dass du es haben wirst.“ Weg oder gar nichts/Aber ich denke, du bewegst dich zu schnell.

„Wir wollten einen Song mit einer starken Botschaft machen – über ungeschützten Sex, Promiskuität und das Abhängen in der falschen Menge“, teilte Rozonda „Chilli“ Thomas 2018 dem Guardian mit. „Die Botschaften in ‚Waterfalls‘ trafen ein.“ Ich denke, deshalb ist es unser bisher größter Hit.“

André 3000 singt in diesem Hit, der die Billboard Hot 100-Charts anführt, über lieblose Beziehungen zu einem skurrilen, zeitversetzten Dance-Beat. Die Ernsthaftigkeit des Liedes – von dem André 3000 einst erklärte, dass es um „den Stand der Beziehungen in den 2000er Jahren“ geht – ging bei vielen Zuhörern verloren.*

Der traurige Text wurde von Andrés schwungvollem Gesang sowie dem klirrenden Gitarren- und Keyboard-Groove des Liedes überdeckt, dessen Geschwindigkeit sich am Ende aller vier Takte ansteckend verdoppelt. Sogar Outkast selbst konnte nicht umhin, in einem Tweet aus dem Jahr 2021 die Gegenüberstellung des Songs anzuerkennen.

Ein vorletztes Beispiel für einen traurigen Knaller ist „Dancing On My Own“ des schwedischen Popstars Robyn. Der reumütige Song – ein Top-10-Hit in mehreren Ländern – fordert Sie auf, Ihre Sachen abzuschütteln, während Sie sich gleichzeitig vorstellen, wie Sie Ihrem Ex im Club zusehen, wie er weitermacht. Das Cover von Calum Scott aus dem Jahr 2016 bringt die Traurigkeit, die Robyns Uptempo-Version überdecken kann, wirklich zum Vorschein.

„Sagte, ich bin in der Ecke und sehe zu, wie du sie küsst, oh nein/Und ich bin genau hier, warum kannst du mich nicht sehen?“ Robyn singt im Refrain. „Und ich gebe mein Bestes/ Aber ich bin nicht das Mädchen, das du mit nach Hause nimmst.“

Spaß. (das Trio aus Jack Antonoff, Andrew Dost und Nate Ruess) ist vor allem für die zeitgeistige Pop-Rock-Power-Ballade „We Are Young“ bekannt, in der es um die unerbittlich positive Begeisterung der Jugend in der Stadt geht. Der Titelsong ihres 2012er Albums Some Nights (das „We Are Young“ enthält) ist ein viel tänzerischer, aber auch traurigerer Song.

"Wofür stehe ich?" fragt Ruess, während deine Füße im Takt mitschlurfen. „An den meisten Abenden weiß ich es nicht mehr.“

Avicii arbeitete mit der gefühlvollen Popsängerin Aloe Blacc für diesen weltweiten Chartstürmer zusammen, der als eine der Spitzenhymnen des EDM gilt. Der klatschende Beat verdeckt den traurigen, selbstreflexiven Text des Titels über das Verlorensein.

Der Selbstmordtod des schwedischen DJs/Produzenten im Jahr 2018 verleiht Blaccs leidenschaftlichem Refrain eine noch schwerere Note: „So wake me up when it's all over/When I'm wiser and I'm old/All this time I was find yourself, and I /Ich wusste nicht, dass ich verloren war.

„Never Be Like You“ ist nicht das schnellste Stück in der basslastigen Diskographie des australischen DJs/Produzenten Flume, aber der zarte Track hat dennoch einen unwiderstehlichen Kick. Die kanadische Sängerin Kai fleht ihren Geliebten an, sie nicht zu verlassen („How do I make you wanna bleiben?“), aber ihr schöner Ton schafft es dennoch, das Lied hoffnungsvoll zu halten.

Die offensichtlichste Auswahl dieser gesamten Liste ist „Tears In The Club“, wo FKA Twigs und The Weeknd auf die Tanzfläche gehen, um die Überreste einer schlechten Beziehung abzuschütteln. Der Sänger/Tänzer äußerte sich offen darüber, in einer missbräuchlichen Beziehung zu sein, und das Lied ist ein zurückhaltender Pop, der von verzweifelten Gesängen wie „I might die on the beat, love“ getragen wird.

Fast 30 Jahre nachdem DJ/Produzent Todd Terry mit einem Remix von „Missing“ dazu beigetragen hatte, „Everything But the Girl“ der internationalen Tanzmusik-Community vorzustellen, wandte sich das Duo bei „Nothing Left to Lose“ seiner elektronischen Seite zu. „Nothing Left to Lose“, eine Single aus ihrem ersten Album seit 24 Jahren, Fuse, verfügt über eine schmatzende elektronische Basslinie, die die hilflose Sehnsucht des Songs kontrastiert.

„Ich brauche eine dickere Haut/ Dieser Schmerz dringt immer wieder ein/ Sag mir, was ich tun soll/ Weil ich immer auf dich gehört habe“, singt Tracy Thorne des Paares in der Eröffnungsstrophe. Später stellt sie eine Forderung, die die Konflikte eines typisch traurigen Krachers treffend zusammenfasst: „Küss mich, während die Welt untergeht.“

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Foto: Frazer Harrison/Getty Images für Coachella

Besonderheit

Das Live-Musikgeschäft hat immer noch mit den Auswirkungen der Pandemie zu kämpfen. GRAMMY.com sprach mit einem Querschnitt von Fachleuten über die tiefgreifendsten Veränderungen der Branche, wie sie angegangen werden und was das alles für die Zukunft bedeuten könnte.

Die Pandemie hat auf vielen Ebenen globale Verwüstungen angerichtet. Über den menschlichen Tribut hinaus verursachten die durch die Ausbreitung von COVID-19 verursachten Störungen in fast allen Geschäftsbereichen, einschließlich der Live-Unterhaltung, tiefe und dauerhafte Schäden. Quasi über Nacht verloren Arbeiter ihre Lebensgrundlage, Betriebe schlossen ihre Türen oder schränkten den Betrieb drastisch ein und Lieferketten wurden lahmgelegt.

Innerhalb weniger Tage nach der Sperrung veröffentlichten mehrere Medien ernüchternde Artikel über die Tourneen, Konzerte und Festivals, die vom Ausbruch betroffen waren. In einem Insider.com-Artikel wurden mindestens 170 Verschiebungen oder Stornierungen identifiziert. Blitzartig erlebte jeder Künstler auf der ganzen Welt, wie die Live-Performance-Seite seiner Karriere in Luft aufging. Die Besatzungen wurden nach Hause geschickt, und alle Unternehmen, die diesen Sektor bedienten – Logistik, Audioausrüstung, Gastronomie und mehr – fanden eine karge Landschaft vor.

Während der Pandemie verzeichnete der große Veranstalter Live Nation einen drastischen Rückgang der Zahl der Konzerte und Festivals unter seinem Banner: von über 40.000 Veranstaltungen im Jahr 2019 auf knapp über 8.000 im Jahr 2020. Doch bis Ende 2022 berichtete Pollstar.com, dass das Jahr 2022 vorbei sei Bei den Top-100-Touren wurden rund 59 Millionen Tickets verkauft – mehr als im Jahr 2019.

Drei Jahre nach Beginn der Pandemie normalisiert sich das Leben in vielerlei Hinsicht wieder. Dennoch sind die mit der Durchführung eines Konzerts verbundenen Kosten dramatisch gestiegen, was sowohl auf den Inflationsdruck der Pandemie als auch auf die stark gestiegene Nachfrage nach Waren und Dienstleistungen zurückzuführen ist, die zur Aufrechterhaltung von Tourneen erforderlich sind. Für diejenigen, die in und um das Live-Musikgeschäft arbeiten, bedeutet die „neue Normalität“, dass einige Dinge so funktionieren wie vor COVID-19, während sich andere radikal verändert haben – entweder vorübergehend oder endgültig.

GRAMMY.com sprach mit einem Querschnitt von Branchenexperten über einige der tiefgreifendsten Veränderungen, wie sie angegangen werden und was das alles für die Zukunft bedeuten könnte.

Neue Touring-Paradigmen

Mit der Rückkehr der Live-Musik ist ein entsprechender aufgestauter Nachfrageanstieg einhergegangen, bemerkt Christy Castillo Butcher, Senior VP, Programming & Booking im SoFi Stadium mit 70.000 Sitzplätzen in Inglewood, Kalifornien. „Um diese Nachfrage zu befriedigen, muss man einen größeren Veranstaltungsort haben.“

Allein im Jahr 2023 finden im SoFi Stadium mehrere Megashows statt: Billy Joel & Stevie Nicks, Grupo Firme, Romeo Santos, eine fünftägige Taylor-Swift-Residency, Metallica, Beyoncé, Ed Sheeran und P!nk stehen alle auf dem Veranstaltungskalender, und noch mehr Shows warten auf Ankündigung. Im Madison Square Garden gab es mehrere ausverkaufte Auftritte von Janet Jackson und es wird eine siebentägige Phish-Residenz geben.

Seit der Pandemie haben einige Künstler unterschiedliche Herangehensweisen an das Touren gewählt. Tandem-Tourneen und Residenzen sind nur zwei der Phänomene, die bei reisenden Künstlern und ihren Managementteams offenbar immer beliebter werden.

Sich für eine Tandemtour zusammenzutun, ist keine neue Idee; Pauschalreisen gehören seit den Tagen von Dick Clarks Caravan of Stars Mitte der 1960er Jahre zur Konzertlandschaft. Und in einer Zeit, in der nach der Pandemie bedingte Engpässe und logistische Engpässe das Reisen noch schwieriger machen, stößt die Praxis auf erneutes Interesse.

Eine der bekanntesten Tandem-Touren des Jahres 2023 ist die ZZ Top/Lynyrd Skynyrd Sharp Dressed Simple Man-Tour. Die Tour führt durch mehr als 22 Städte in den USA und bringt die dreifach GRAMMY-Nominierten ZZ Top mit der beliebten Southern-Rockband zusammen.

„Sie möchten den Fans den Wert bieten, zwei Bands zusammen zu sehen“, sagt Ross Schilling, Tourmanager von Lynyrd Skynyrd. (Pollstar meldete einen durchschnittlichen Ticketpreis für die Top 100 Nordamerika-Tourneen im ersten Halbjahr 2022 von mehr als 108 US-Dollar. Mittlerweile haben die Ticketpreise für Megastars wie Beyoncé und Swift astronomische Höhen erreicht.)

Schilling räumt ein, dass es auch für die Künstler Vor- und Nachteile gibt. „Man teilt sich die Ausgaben und die Einnahmen“, stellt er fest und fügt hinzu, dass die Produktion oft halbiert wird. „Video, Pyro, Rauch, was auch immer Sie an Elementen hinzufügen möchten“ können auf einer Tandemtour geteilt werden.

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Eine weitere Möglichkeit, eine Renaissance zu erleben, ist die Konzertresidenz. „Residenzen sind natürlich nichts Neues“, sagt Phil Carson, ein Tour- und Management-Veteran, der viele Jahre mit hochkarätigen Rockbands wie Led Zeppelin, Bad Company, AC/DC und Yes unterwegs war. „Sie begannen mit Leuten wie Frank Sinatra und Sammy Davis Jr., als es eigentlich nur einen Ort gab, an den man gehen konnte: Las Vegas.“

Heutzutage gibt es viel mehr Möglichkeiten, aber die Beweggründe sind oft die gleichen wie früher. „Sammy, Dean Martin … all diese Jungs wollten zusammen rumhängen und wollten sich nicht auf den verdammten Weg begeben“, erklärt Carson. Als ihr Publikum älter wurde, interessierten sich auch sie für die Idee, an einen Ort zu gehen, um ihre Lieblingskünstler zu sehen.

Und Carson glaubt, dass der Ansatz mit mehreren Nächten durchaus Teil eines Zukunftstrends sein könnte. „Wir fangen an, in Casinos in ganz Amerika Zwei- und Drei-Nächte-Spiele zu veranstalten“, sagt er. Adele, Bruno Mars, Maroon 5, Luke Bryan, Katy Perry, Carrie Underwood und Carlos Santana sind nur einige der Künstler, die den Weg meiden und stattdessen eine Reihe von Terminen an einem Veranstaltungsort bevorzugen.

Der Trend geht auch zu kleineren Veranstaltungsorten. Singer/Songwriter James McMutry und seine Band eröffneten im November 2021 eine Residenz im Austin' Continental Club; Diese Buchung dauert bis heute an. Und erst letzten August kündigte Robert Glasper eine Residenz mit 48 Shows im Blue Note Club in New York City an; Es ist sein vierter längerer Auftritt in der berühmten Jazz-Location.

Festivals kehren mit Macht zurück

Aufgrund der gestiegenen Nachfrage nach Live-Unterhaltung nach dem Lockdown kehrten die großen Musikfestivals im Jahr 2022 mit voller Kraft zurück und tun dies auch im Jahr 2023. Coachella und Lollapalooza gehörten zu den mehrtägigen Veranstaltungen mit mehreren Wochenendveranstaltungen, die nach COVID-bedingten Absagen zurückkehrten, während Mitte Auch Veranstaltungen auf Spitzenniveau wie die Outside Lands in San Francisco verzeichneten im Jahr 2022 über 220.000 Besucher – ein großer Segen für eine Live-Musikbranche, die erst ein Jahr zuvor in der Krise steckte.

Das Bésame Mucho Festival feierte im Dezember 2022 im Dodger Stadium mit einer Kapazität von 56.000 Zuschauern seine Premiere und feierte und präsentierte ein generationsübergreifendes Line-up aus lateinamerikanischen Künstlern und Künstlern. Die Tickets waren innerhalb von 70 Minuten ausverkauft. Die Aufstellung für die Veranstaltung 2023 wurde im Februar bekannt gegeben; Wieder einmal war die Veranstaltung fast sofort ausverkauft.

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Ashley Capps ist völlig in die Festivalszene eingetaucht; Als ehemaliger Leiter von AC Entertainment leitete er viele Jahre lang das jährliche Bonnaroo Music and Arts Festival. Heutzutage hat er seine Aktivitäten zurückgefahren, kuratiert aber immer noch das abenteuerliche Big Ears Festival, das er 2009 in Knoxville, Tennessee, gegründet hat.

„Das Post-Pandemie-Big Ears hat ein außergewöhnliches Wachstum erlebt“, sagt er und verweist auf einen Wachstumspfad vor der COVID-19-Krise mit einem jährlichen Anstieg der Ticketverkäufe um 20 Prozent. Die Big Ears 2022 – die ersten nach einer zweijährigen Pause – verzeichneten ein Wachstum von 35 Prozent. „Das führte dazu, dass wir fünf Wochen vor dem Festival unseren ersten kompletten Ausverkauf verkündeten“, sagt er.

Im Jahr 2023 verzeichnete Big Ears einen weiteren Anstieg der Ticketverkäufe, der über 50 Prozent gegenüber dem Vorjahr lag. Das Festival mit mehreren Veranstaltungsorten fügte weitere größere Veranstaltungsorte hinzu, um der gestiegenen Nachfrage gerecht zu werden. „Konzertbesucher sind auf jeden Fall hungrig darauf, wieder in das Live-Musikerlebnis einzusteigen“, sagt Capps. „Und die Künstler, mit denen wir bei Big Ears zusammenarbeiten, freuen sich darauf, wieder vor einem anerkennenden Publikum zu stehen.“

Dieser Nachholbedarf auf beiden Seiten der Gleichung kann zu einem überfüllten Teilnehmerfeld führen, bei dem viele Veranstaltungen – auch über die Musik hinaus – um Aufmerksamkeit, Personal und Ausrüstung konkurrieren.

Die Kosten des Musikmachens

Globale logistische Engpässe, von denen jede Branche betroffen ist, fordern weiterhin ihren Tribut von der Live-Musikbranche. Die weltweite Wirtschaftsinflation – die im Jahr 2022 8,8 Prozent erreichte und sich damit im Vergleich zum Vorjahr fast verdoppelte, eine teilweise Folge der Pandemie – hat die Kosten erhöht und die Gewinne gemindert und damit den Grundstein für einen „steinigen Weg zur Erholung“ gelegt. Unzählige qualifizierte Reisetechniker verließen das Unternehmen, da sie während der Pandemie keine Arbeitsmöglichkeiten mehr hatten.

„Menschen verließen die Branche auf ganzer Linie, von Musikern über Agenten und Manager bis hin zu Barkeepern und Produktionsmitarbeitern“, sagt Morgan Margolis, CEO/Präsident von Knitting Factory Entertainment. „‚Ich muss etwas anderes tun.‘ Davon habe ich viel gesehen. Einige kehrten nie zurück, was zu einem Personalmangel führte, sobald die Live-Tournee wieder aufgenommen wurde.

All das wirkte sich auch auf Veranstaltungsorte für Live-Musik aus. „Wir haben zwischen Tourmanagern, Produktionsleitern und Kassenpersonal herumgewühlt“, sagt Margolis. Er charakterisiert sein Unternehmen, das landesweit in den Bereichen Veranstaltungsbetrieb, Festivals, Künstlermanagement, Tourneen und mehr tätig ist, als ein Unternehmen, bei dem „alle Mann an Deck“ sind. „Ich habe tatsächlich bei einem Aaron Lewis-Konzert ein paar Drinks in Walla Walla hingeworfen“, sagt er.

Aufgrund der gestiegenen Kosten ist es unerlässlich, den Betrieb möglichst schlank zu gestalten und gleichzeitig die Qualität aufrechtzuerhalten. Margolis erinnert sich an die Situation, als im Jahr 2022 wieder Live-Musik aufkam. „Vans und Busse: Alles ging zur Neige, sogar Mietwagen“, erinnert er sich. „Und alles – Generatoren, Beleuchtungsanlagen, Bühnenanlagen – war jetzt 20 bis 30 Prozent teurer, weil alle so verteilt waren.“

Aber wie viele andere in der Branche hat Margolis einfach das Beste daraus gemacht. „Ich persönlich habe mich darauf gefreut, wieder vor Ort zu sein“, sagt er. „Ich wollte mit Menschen zusammen sein.“

Nach einer fast überwältigenden Welle von Musikkünstlern, die wieder live auftreten, sagt er, dass sich eine „methodischere“ Denkweise durchsetzt. Das lässt sich damit vergleichen, wie er das Jahr 2022 charakterisiert: „Wirf alles gegen die Wand: Wir gehen überall hin!“

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Ein weiteres neues Problem: Die von der US-amerikanischen Staatsbürgerschafts- und Einwanderungsbehörde (USCIS) vorgeschlagenen Regeländerungen würden die Kosten für die Beantragung eines US-Visums für internationale Musiker um bis zu 260 Prozent erhöhen. „Je mehr diese Richtlinien umgesetzt werden, desto schwieriger wird es für uns, unsere Musik zu teilen“, sagt Sampa der Große. Der sambische Singer/Songwriter und Rapper merkt an, dass die vorgeschlagenen Änderungen insbesondere unabhängige Künstler hart treffen werden: „Tourneen sind die einzige Möglichkeit, unsere Musik weltweit zu hören.“

Solche pauschalen Kostensteigerungen können dazu führen, dass einige internationale Künstler schwierige Gespräche führen müssen. Wenn nicht durch Tourneen, fragt sich Sampa der Große: „Wie sonst können wir mit den Menschen in Kontakt treten, die unsere Musik unterstützen? Und wie können wir unabhängigen Künstler sonst unsere Karriere als Musikschaffender aufrechterhalten?“

Schilling gibt zu, dass er während der schlimmsten Zeit des Lockdowns darüber nachgedacht hat, in den Ruhestand zu gehen – und das Gleiche galt für einen seiner größten Kunden. Skynyrd startete 2018 eine Abschiedstournee, die jedoch letztendlich durch die Pandemie abgebrochen wurde, was zu einer ernsthaften Gewissenssuche führte. „Als allen die Lebensgrundlage entzogen wurde, beschlossen sie: ‚Wir wollen zu unseren eigenen Bedingungen ausgehen.‘“ Die diesjährige Tandemtour mit ZZ Top schafft Abhilfe, fügt Schilling hinzu.

Diese Denkweise ist unter den Profis, die auch nach der COVID-Krise im Spiel bleiben, weit verbreitet. Von vielen, die als Veranstaltungsortbesitzer arbeiten, über Tourmanager und Crewmitglieder bis hin zu Künstlern – die Chance, wieder auf Tour zu gehen, überwiegt die Herausforderungen, denen sie unweigerlich begegnen werden. Es gibt viele Karrierewege, die einfacher sind als die Arbeit in der Live-Musikbranche, aber nur wenige sind mit den damit verbundenen Belohnungen vergleichbar.

Änderungen hinter der Bühne und nach der Show

Vor der Pandemie organisierten viele Tourneekünstler vor oder nach ihren Auftritten Meet-and-Greet-Sessions. Sie boten Gelegenheit zur Interaktion zwischen Fans und Künstlern und stellten eine zusätzliche Einnahmequelle für die Künstler dar. Während der Pandemie verschwanden diese Sitzungen, selbst für die neuen Shows, die noch stattfinden konnten. Auch wenn die erzwungene soziale Distanzierung heute weitgehend verschwunden ist, ist der Zustand der Meet-and-Greets nicht mehr derselbe.

„Meine letzten drei Künstler veranstalten keine Meet-and-Greets, weil noch immer die Sorge um COVID besteht“, sagt David Norman, ein langjähriger Promoter, Tourdirektor, Manager und Buchhalter, der derzeit mit Evaneszenz auf Tour ist; Zu seinen früheren Kunden gehörten Prince, John Fogerty, Earth Wind & Fire, Green Day, Alicia Keys, Tyler, the Creator und viele andere.

Norman weist darauf hin, dass seine Künstler durch den Wegfall der Meet-and-Greets einen finanziellen Schaden erleiden. „Aber es ist besser, auf Nummer sicher zu gehen“, sagt er und weist darauf hin, dass ein Musiker, der positiv auf COVID getestet wurde, „[Auftritte] wochenlang absagen kann. Dann muss man [die Tournee] umleiten und Leuten, die positiv auf COVID getestet werden, Geld zurückerstatten.“ Ich kann nicht zu den verschobenen Shows kommen.

Andere verfolgen einen anderen Ansatz. „Lynyrd Skynyrd wird Meet-and-Greets durchführen“, sagt Schilling und fügt hinzu, dass sein Team „so schnell wie möglich zur Normalität zurückkehren möchte.“ André Cholmondeley ist ein Musiker, langjähriger Tourmanager und technischer Support-Experte, der als Gitarrentechniker für den Yes-Gitarristen Steve Howe arbeitete.

Vor 2020 „konnte man ihnen die Hand schütteln, wenn man das Meet-and-Greet-Paket kaufte“, sagt er. „Es gab viele Umarmungen und Bilder.“ Jetzt beinhaltet die Erfahrung mehr Winken und Faustschläge. Foreigner hat unterdessen kürzlich Meet-and-Greets gegen Frage-und-Antwort-Runden ausgetauscht. „Jeder hat eine tolle Zeit und die Band langweilt sich nicht, weil es jeden Abend anders ist“, sagt Phil Carson, der Tourmanager der Band.

Auch das Leben abseits des Publikums hat sich verändert.

„Eine große Veränderung auf ganzer Linie ist der große Unterschied im Catering“, sagt Cholmondeley, der kürzlich mit Pat Metheny und Ani DiFranco auf Tour war. Vor Corona fanden auf Tournee gehende Künstler und ihre Crews in der Regel ein Buffet hinter der Bühne vor. „Wir bestellen jetzt viel mehr Essen“, erklärt Cholmondeley. „Du bekommst jeden Tag ein paar Menüs per SMS zugeschickt.“

Carson stellt fest, dass die Band eine alternative Lösung gefunden hat, die für sie funktioniert. „Unsere Sängerin Kelly Hansen ist eine Köchin, die eine Folge von ‚Chopped‘ von Food Network gewonnen hat“, sagt er stolz. „Er hat einen ganzen Küchenherd in unserem Tourbus. Er macht Frühstück, er macht Tacos nach der Show.“

Carson gibt bereitwillig zu, dass ein solcher Ansatz in scharfem Kontrast zum Rock'n'Roll-Road-Dining in den 70er-Jahren steht. „Damals“, sagt er und lacht herzlich, „waren es ein paar Zeilen Cola und eine Flasche Jack Daniel’s!“

Schließung der Lücke

Ab März 2020 waren die durch die Pandemie verursachten Absagen und Störungen in der gesamten Live-Musikbranche spürbar. Doch während der Unternehmenssektor in das dritte Quartal 2023 eintritt, liegt der Fokus wieder auf der Zukunft, und vorsichtiger Optimismus ist die vorherrschende Perspektive.

Die Festivalsaison hat offiziell begonnen, mit Coachella sind zwei Wochenenden voller Spannung zu Ende gegangen, und eine Reihe weiterer Veranstaltungen, die den ganzen Sommer über geplant sind, versprechen mehrere aktive Monate für tourende Musiker und Crews. Taylor Swifts Eras-Tour ist schnell ausverkauft, während Beyoncés Renaissance-Tour gerade erst begonnen hat (erwartungsgemäß zu viel Tamtam). Es scheint, als ob das Touren, wie wir es einst kannten, wieder in die richtige Richtung zurückkehrt.

Auch wenn sie sich auf das Aufnehmen konzentriert – sie zählt zwei Alben, eine EP, zwei Mixtapes und fast 30 Singles – betont Sampa the Great den Reiz von Live-Musik sowohl für Publikum als auch für Entertainer.

„Aufzutreten ist der beste Weg, mit dem Publikum in Kontakt zu treten“, sagt sie. „Sie übersetzen Ihre Musik von Audio in etwas Visuelles, etwas Physisches. Es überbrückt die Lücke vom bloßen Hören eines Künstlers oder dem Sehen in den sozialen Medien bis hin zum tatsächlichen Erleben des Künstlers.“

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